EPIFANÍAS (MANCHAS Y RUIDO # 9)

(Originalmente aparecido en Manchas y Ruido # 9). 

Hez.




















"La primavera de 1997 llegó, inevitablemente y como todos los años, a la provincia de Toledo. El campo castellano, roto por el frío de las corrientes invernales recibió, de buen grado, las lluvias que calaron entre los áridos terrones del barbecho.
Cual hidrópico beodo, anclado por los codos en la barra tabernaria más próxima al hogar, el sembrado trasegó los chaparrones, uno tras otro, con afanosa maestría, arrojando, como esputos sanguinolentos de un hígado cetrinamente inflamado, amapolas rojas que tiñeron de escarlata las lomas y cerros.
El pueblo de Nambroca, al sur de la Imperial, colindando entre la sobria Castilla y la humilde La Mancha, no fue una excepción, que sus labraos salieron de la congoja invernada a la euforia primaveral. Y con aquellas lluvias, también, llegó la epifanía.
Encontramos a nuestro protagonista, rechonchete mocoso de blanquecinos carrillos, con ocho agostos en sus espaldas, deglutiendo gustosamente una concha Codan en el coche de su madre. La buena señora, malabareando entre trabajo y tareas familiares a cargo de tres latosos hijuelos, dejó a los dos niños mayores dentro del vehículo, incorrectamente aparcado en doble fila, en la Plaza del Reloj del citado municipio.
Mientras la madre realizaba la compra semanal en un bazar del poblacho, el hermano mayor, de doce octubres, escuchaba absorto en su walkman Phillips una cassette: refrito de primeros discos y directos del conjunto gallego Siniestro Total.
- ¿Qué oyes? - dijo el pequeño.
El silencio se instauró en el tedioso ambiente del Citröen AX blanco.
- ¡Óscar! - repitió el muchacho - !Eh, que qué oyes!
El primogénito quitóse los auriculares.
- Una cinta que me han grabado. Toma - sonrió maliciosamente - ¿quieres oír?
Y llegó la epifanía.
Los cascos arrojaron, en atronadora vehemencia, el ruido infernal y corruptor que golpeó con bravura el inocente cerebro de nuestro personaje. Un falo sónico, erguido en chulesca firmeza, penetró por las orejas reventando el himen cerebral del mozuelo.
Aquella voz enloquecida, casi mongólica, que bramaba el "todos los ahorcados mueren empalmados", arrasó como un huracán sobre el plácido terruño florido; desraizando en implacable esfuerzo los brotes que la simpleza había regado.
Toda bondad se rompió. Todo buen sentimiento quedó hecho añicos. El repliegue membranoso que guardaba, con tranquila paciencia, las virtudes de la candidez infantil se redujo a despojos.
Brotó el llanto y, con él, la mofa del hermano mayor. Algo se rompió en su interior y, sin comprender qué estaba sucediendo, el plañidero bobalicón se sintió feliz. Relajado. Quiso más. Hízose adicto a aquella sensación sadomasoquista y continuó buscándola, sin descanso, a lo largo de los años entre discos y conciertos.
Pero revelación no hay más que una, que abre los ojos y marca el camino. Camino embarrado y farrogoso que sigue recorriendo hoy, cómo puede, nuestro peregrino, en soledad o en compañía de creyentes como él, sorteando iluminados y falsos profetas, por los yermos campos castellanos."

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Pipoca Pistolet.



Quizá sea el término religioso con el que se presentan estas experiencias musicales cuasi místicas lo que hizo que en mi cerebro apareciese este extraño recuerdo polifónico que viví en plena madrugada entre las estrechas calles de Toledo. Eran días festivos y la ciudad imperial se engalanaba en balcones y el hedor a incienso inundaba los rincones. Yo rondaba los doce o trece años, esa edad en la que acompañar a tu familia empieza a ser un suplicio, pero al final te animabas porque sabías que algo caía si se enferiaban. Los pasos de procesión más comunes empezaban pronto, pero este año mi abuela quería enseñarme su secreto, su paso favorito. La procesión del silencio, donde el cristo  salía a altas horas de la madrugada en un aplastante silencio. Ella era sorda desde pequeña, pero siempre le acompañaba la música. Aprendió a sentir la vibración de los altavoces y a salvaguardarse de los bombardeos de la guerra por el retumbar que dejaban las bombas al caer. Tenía un sexto sentido y eso hacía que la música con ella tuviese otra dimensión. Pensaréis que vaya mierda de epifanía musical ir a una procesión en silencio. Pero aquella noche de semana santa seguí a mi abuela por el laberinto de callejones y llegamos a encontrar nuestro sitio bajo el techo de un cobertizo. Las primeros capuchones empezaban a desfilar ante nosotras con sus promesas a cuestas. Una larga fila de velas brillaban mientras el silencio caía sobre nuestras cabezas. A lo lejos el retumbar de un tambor que ahogaba el soniquete de los palos de madera que marcaban el ritmo. Con el paso de los minutos el sonido del tambor se iba intensificando hasta el punto de ser atronador. Antes de que los tamborileros doblaran la esquina, mi abuela ya mascullaba entre dientes, “Ya llegan, ya llegan”. Y así fue. Tras el abrumador silencio, llegaba el tronar de los bombos. La percusión en estado puro que se intensificaba bajo aquellas vigas de madera. En apenas cinco minutos sentí todo el redoblar de los palos contra los parches en mi estómago. Golpe tras golpe, se convirtieron en un ritmo hipnótico elevando mi mente al trance. Algo tan sencillo como unos palos y un tambor bajo un simple ritmo consiguieron hacerme sentir la música desde dentro, desde las entrañas. Un ruido ensordecedor. Parece contradictorio. Pero tras el paso del pum pum pum volvió el silencio. En mis orejas seguía sonando el pum pum pum. 
Miré a mi abuela y la recuerdo totalmente emocionada. No tanto por el cristo si no por sentir la música vibrar tan cerca, tan alta, tan bestia.

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Revelaciones musicales (Miguel Llansó).



Iba en autobús a Salamanca para ver una exposición que se llamaba “Las edades del hombre”. Año 1994.  Era una de esas exposiciones universales, donde lo único universal era la pasta que se metieron en el bolsillo sus organizadores. De repente: “Kurt Cobain ha muerto”. Mi padre me dijo que con esos gritos espeluznantes no se iba a hacer muy famoso. Pero ya era jodidamente famoso. Mi madre me regaló “In Utero” cuando volvimos a Madrid, en la estación de Chamartín. Menos mal. Si no estaría aún en el bar de Boss de Villalba escuchando “Tu piel morena sobre la arena” o lo que es peor, yo mismo sería el dueño del bar de Boss.
Ese verano, el Lolo me grabó una cinta con dos cosas. Cara A, Kerplunk de Green Day. Cara B, Liberal Animation de NOFX. Era ya el declive de las cintas vírgenes. Te las vendían con nombres como “chrome 2 slim power”, pero grababan como el puto culo. Lo sé porque años más tarde escuché Kerplunk en CD y sonaba bien. Tan bien que me pareció una mierda enorme. Pero la calidad de la cinta TDK me decía que yo también podía tocar una basura similar y grabarla. Lo hicimos con nuestra primera banda “Suck Pornography” y sonaba bastante similar. Bastante similar de mal. No como el Kerplunk original, pero sí como Kerplunk de cinta.
Abro los ojos y estoy en el verano del 2000. Tú – Jose – me grabas una cinta de Ornette Coleman. Yo me había quedado un poco atascado con el cd de Art Blakey que me había regalado mi padre cuando me pillé mi primera batería. Hay otro momento de iluminación cuando mi amigo Raúl y yo ponemos la cinta de Albert Ayler a todo trapo en un camping alemán. La cinta queda atascada en el Mercedes de mi padre (bueno, ya sabes, como pasó con la de Elvis) y la escucho 1600 veces seguidas durante los meses siguientes. Gracias a esta aparente maldición de la tecnología, descubro el corazón de la verdad a partir de la escucha 1560.
La cinta de Flying Luttenbachers y Naked City: open chakras, tío. Hubo el verano de Miles con mi amigo Jon – lo que nos flipaba era la atmósfera de flotación de Miles. Aunque Jon flotaba más, la verdad, porque se compró tantas toneladas de marihuana que hizo levitar al edificio. Hubo el verano de Morricone. Todavía se me ponen los pelos de punta cuando escucho la guitarra eléctrica del hombre con la armónica y me acuerdo de cómo nos flipábamos.
Algunos conciertos que me volaron la cabeza por aquellos tiempos: A Room With A View, Aina, Solex y los primeros Ginferno.
Todo esto parece una miscelánea un poco inútil y si ninguna clase de cordón umbilical. Se está quemando Notre-Dame en este momento, así que voy sintonizar el Youtube.

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Escalofrío (Miriam).



Descubrí la música en casa. Descubrí la música en mi cuarto. Descubrí que era una experiencia muy personal.
Descubrí que cada cual la vive de una manera muy diferente, que es algo casi privado, íntimo, que no tiene por qué entender nadie más que tú. Que es una relación que se construye de una manera tan especial que no encontrarás a nadie más en esta tierra que pueda compartir exactamente lo que sientes en ese momento en el que estás con 12 años tumbada en la cama de tu cuarto, mirando al vacío mientras escuchas una cinta grabada con tus temas favoritos, concentrada en el momento, dejándote llevar, sintiéndolo muy dentro, viajando a sensaciones que no serás capaz de describir nunca, y de repente entra tu hermana en el cuarto (que también es el suyo), o entra tu madre a ordenarte que hagas algo que no te apetece, y ¡puf!, la magia desaparece abruptamente. Te da vergüenza, parece que te han pillado masturbándote, o algo peor. Pones pausa. Planeas en tu mente cuando volverás a tener ese momento íntimo, y aguantas el resto del día sabiendo que volverás ahí. A vibrar, a viajar, a tener escalofríos cuando aparece tu parte favorita de la canción, y sabes que vives para encontrar ese momento. Se convierte en adicción.
Y a partir de ahí vas a buscar siempre ese escalofrío, en todos lados, aprendes a dejarte susurrar por cada experiencia auditiva a ver si te lleva ahí.
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Iggy & The Stooges – “Raw Power” (HAZ).



Como gran obsesivo, fan y buscador apasionado, mi vida ha estado llena de descubrimientos alucinantes que han dado giros de 180 grados a mi mente y, en algunas ocasiones, incluso a mi vida: Mis padres poniéndome “Beatles for sale” a los 6 años; descubrir a los Doors y Led Zeppelin a los 13; escuchar la belleza sublime de “A Love Supreme” a los 18; ver “Eraserhead” en sesión nocturna y sentir mis oídos llenándose con ESE SONIDO; Fugazi, Crass y la revolución del hardcore punk idealista; ir de gira con Aina y conocer de primera mano ese espíritu; The Ex en vivo en el 98 (la experiencia en directo más revolucionaria que he vivido); la obsesión enfermiza con “SMiLE” de Brian Wilson en la época en la que tocaba en Ensaladilla Rusa y la montaña de ideas y música que compartimos ...tantas experiencias maravillosas que contribuyeron a romper mis cadenas mentales (todavía estoy en ello) y a encontrar mi propia voz. 
Pero de entre tantos momentos, hay uno que supuso un especial cortocircuito en mis sinapsis neuronales. 
Hasta los 14 años viví en una “ciudad dormitorio” madrileña, donde el único acceso a la música era la tienda de discos de un horrible centro comercial-mamotreto. Todos los discos me parecían carísimos para mi inexistente economía, por lo que la única manera de saciar mi curiosidad era afanando alguna cinta de cuando en cuando (los vinilos eran más difíciles de sustraer y habrían generado sospechas en casa). Thin Lizzy, AC/DC, Eagles ...si era “rock” y la cassette tenía fácil acceso se iba conmigo a casita. 

Una tarde me atreví a llevarme “Raw Power”. Llevaba semanas viendo esa portada deslumbrante donde Iggy aparece amenazante con su eterno torso descubierto, sus pantalones plateados, ese extraño maquillaje y una expresión que parece decir: “Me importa una mierda lo que pienses de mí”. Esa foto condensaba todo lo que yo no era y todo a lo que no tenía acceso. Esa foto era un vórtice a un universo paralelo, un escape del aburrimiento, una promesa de libertad. 
Al llegar a casa, sentado sobre mi cama, metí la cinta en mi walkman y sonaron los primeros acordes de “Search and Destroy” acuchillados por ese vitriólico solo de guitarra irrumpiendo como un elefante en una cristalería. Sufrí una descarga eléctrica en todo mi sistema nervioso. Nunca había sentido nada igual. La sensación de riesgo y peligro que transmitía esa música me dejó absolutamente noqueado. Los Stooges se convirtieron en ese preciso instante en mis grandes héroes, e Iggy en un ídolo absoluto de tintes casi religiosos. 
Tardé bastante en tener la oportunidad de escuchar su primer disco y “Fun House”, y cuando lo hice, esa trilogía se convirtió en mi biblia y en objeto de devoción y adoración. Iba al colegio, que odiaba con todas mis fuerzas, y al volver a casa me sumergía en esa fantasía donde unos tipos de Michigan (que para mí bien podrían haber sido de Marte) con pintas de delincuentes de los años 50, se habían liberado creando la música más violenta que mi mente podía imaginar. 
El mundo en el que yo vivía era gris y descolorido, pero esos discos me decían que había otro universo paralelo escondido donde quizás podría ser otra persona diferente. Un póster gigante de Iggy manoseándose “el asunto” se alzó durante años sobre el cabecero de mi cama, pude ver a Iggy dos veces en vivo en los 90 (con una banda heavy horrible pero un repertorio basado en un 90% en temas de Stooges, el paraíso para un adolescente febril como yo) y aprendí a tocar el solo de “Search and Destroy” con la guitarra de juguete de mi hermano pequeño (lo que sentí como uno de los grandes logros de mi vida). Debí ver decenas de veces el vídeo clip de “Teenage Riot” solo porque aparecían un par de segundos de Iggy bailando como un demente. El descubrimiento de esta música era sin lugar a dudas lo más excitante que había experimentado en toda mi corta vida. 
Los Stooges eran criaturas casi mitológicas que rasgaron el telón de mi realidad y me llevaron al punk y a la energía primaria del rock and roll, energía que sigo amando y amaré siempre. Ayudaron a liberar mi mente de cadenas muy pesadas forjadas por la autoridad y las normas absurdas de la sociedad. “Raw Power” y “Fun House” iniciaron mi pasión por la expresión nacida de la obsesión y la necesidad, por el arte en forma de aullido que rompe el silencio de la opresión. La catarsis nietzscheana desvelada por una pandilla de inadaptados en la resaca del Verano del Amor. 

Iggy Pop puede pasarse el resto de su vida diciendo sandeces y mentiras (y probablemente así sucederá), arrastrando su legado por el fango y hablando de moda y zapatos en entrevistas para revistas lamentables, pero nada de esto podrá empañar el brillo y la perfección cristalina de la discografía más importante de la historia del rock and roll; del sonido de la rabia, la furia y la libertad convertido en obra de arte salvaje.

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Isa Aries. 



La verdad es que he tenido decenas de epifanías musicales a lo largo de mi vida: en numerosas ocasiones una canción se ha apoderado de mí, el mundo se ha parado y una nueva puerta vital se ha abierto en mi espíritu! Voy a compartir unas pocas:
La primera -y la más fuerte- fue siendo una niña. Mis padres pusieron en casa el single de Love me do de los Beatles. Era sábado por la mañana y recuerdo agarrar a mi padre de las manos y bailar. Mi cuerpo se llenó de música: la melodía de la armónica, las voces y el ritmillo me daban ganas de explotar como un cohete. Fue la primera vez en mi vida que sentí esa conexión con algo.
De teenager fui a tocar con mi grupo a la sala Ricoamor de Castellón. Llegamos y, mientras montábamos los instrumentos para probar sonido, pusieron el Singles Going Steady de los Buzzcocks. Empezó a sonar Orgasm Adict: me quedé petrificada y dejé de montar. Y cuando sonó Love you more amé la música, me sentí plenamente feliz de estar allí haciendo eso con mis amigos y nada más importaba un carajo. Ya se podía estar acabando el mundo fuera, que ya sólo quería tocar con mis amigos para siempre.
En una fiesta en el monte de Umbe, me comí unas setas: era una especie de rave cutrecilla pero lo pasamos bien. Al amanecer, ya tranquilamente de fin de fiesta, alguien puso Space is the Place. Estaba tumbada en unas toallas en la hierba y me puse a llorar muchísimo, mezcla del agotamiento del colocón y la belleza de la música. ¿Quién era esa gente? ¿Qué les pasaba? Cerré los ojos y sentí estar super acompañada en el mundo.
De vacaciones con mis padres en la Costa Brava, me regalaron un walkman sumergible. Un compañero de clase me había hecho una cinta que contenía See Emily Play de Pink Floyd. Me fui a bucear, los rayos del sol atravesaban el mediterráneo, los peces brillaban, y Seeeee Emilyyy Playyyy: yo era libre, era un pez, era parte del Universo entero.
Por último hablaré de mi mega epifanía con Surfs Up, la cual me llevó a hacer un fanzine y grabar un LP sobre su excelso poder, haha.
Surfs Up es mi canción favorita y llegué a creer que me había quitado un quiste cerebral congénito que tengo, a fuerza de escucharla. Por desgracia, recientemente me han hecho un tac y el quiste sigue ahí; una negligencia médica me hizo creer que el quiste se había evaporado gracias a los Beach Boys. Con quiste o sin quiste esa canción me salva la vida una y otra vez. 
Gracias música por existir! <3 font="">

¡¡¡LISTAS!!! (MANCHAS Y RUIDO # 7)

(Originalmente aparecido en Manchas y Ruido # 7).

20 JOYAS DEL SELLO BLACK SAINT/SOUL NOTE. 

El sello italiano Black Saint/Soul Note se convirtió en los 70 en el refugio de lo mejor de la música clásica de vanguardia afroamericana. Al contrario que otros sellos míticos como ESP, India Navigation o Strata East, los discos de Black Saint se suelen encontrar con facilidad a precios bien baratos. Aquí van 20 sacados de un catálogo de cientos de discos. 

Frank Lowe – “The Flam” (1976).
George Lewis/Douglas Ewart – “Jila – Save! Mon. – The Imaginary Suite” (1979).
George Lewis – “Homage to Charles Parker” (1979).
Andrew Cyrille/Jeanne Lee/Jimmy Lyons – “Nuba” (1979).
String Trio Of New York – “Area Code 212” (1981).
Kalaparusha Maurice McIntyre Quartet – “Peace and Blessings” (1979).
Muhal Richard Abrams – “Mama and Daddy” (1980).
Joseph Jarman/Don Moye feat. Johnny Dyani – “Black Paladins” (1980).
The John Carter Octet – “Dauwhe” (1982).
Leroy Jenkins – “Mixed Quintet” (1983).
Sam Rivers Winds of Manhattan – “Colours” (1983).
Cecil Taylor – “For Olim” (1987).
Andrew Cyrille – “Special People” (1981).
Baikida Carroll – “Shadows and Reflections” (1982).
Peter Kuhn Quartet – “The Kill” (1982).
Bill Dixon – “November 1981” (1982).
Jemeel Moondoc Trio – “Judy’s Bounce” (1982).
Cecil Taylor Segments II (Orchestra of Two Continents) – “Winged Serpent (Sliding Quadrants)” (1985).
Bill Dixon – “Son of Sisyphus” (1990).
Ellen Christi with Menage – “Live at Irving Plaza” (1985).

10 DISCOS DE JOE MCPHEE QUE NO SON “NATION TIME”. 

A ver, “Nation Time” es un clásico, ¿quién lo podría dudar? Pero es que a veces da la impresión de que Joe McPhee sólo grabó ese disco (que ni siquiera es mi favorito de él, por cierto). Será por su icónica portada, con esa foto al estilo Black Panther, y su música menos árida que el free jazz magnético de la mayoría de sus discos, pero es el disco que eclipsa injustamente el resto de su extensísima discografía. A continuación, otras 10 obras maestras de este músico brillante. 

“Underground Railroad” (CjRecord Productions, 1969). 
“Trinity” (CjRecord Productions, 1971).
“Pieces of Light” (CjRecord Productions, 1972).
“The Willisau Concert” (Hat Hut, 1976).
“Tenor” (Hat Hut, 1977).
“Glasses” (Hat Hut, 1979).
“Old Eyes” (hat Hut Records, 1980).
“Topology” (Hat Hut, 1981).
“Oleo” (hat MUSICS, 1983).
“Alone Together – The Solo Ensemble Recordings 1974 & 1979” (Corbett vs. Dempsey, 2015).



SHIRLEY & DOLLY COLLINS MIXTAPE.

Cada vez que escucho a Shirley y Dolly Collins pienso que podría vivir sólo escuchando esta mágica música espectral. Cualquiera de sus discos vale su peso en oro, pero si quieres introducirte en su mundo de baladas desoladoras cantadas con la mínima afectación (y máxima belleza) e instrumentos de otra era, empieza por “Anthems of Eden”, “The Power of the True Love Knot” y el oscurísimo “Love, Death & The Lady”. Aquí va una lista de algunas de mis canciones favoritas a modo de cinta variada. 

“Barbara Allen”. 
“Richie Story”.
“Just as the Tide was Flowing”. 
“Over the Hills and Far Away”.
“Are you going to leave me?”.
“Go from my window”. 
“The Outlandish Night”. 
“Plains of Waterloo”. 
“Bonny Cuckoo”.
“Nellie the milkmaid”.
“God Dog”.
“Rambleaway”.
“Poor murdered woman”.
“Lovely Joan”.
“Never Again”.
“Gower Wassail”. 


Aquí una lista de reproducción con todos los temas:

https://www.youtube.com/watch?v=vrhyqmvENIU&list=PLP163T7CASw0PjT68E1_xoFbN8AgLIlqy


NUEVA ZELANDA TOP 15.

Chris Knox - “Polyfoto Duck Shaped Pain” (Flying Nun, 1993). 
The Terminals - “Uncoffined” (Flying Nun, 1990). 
Alastair Galbraith - “Seely Girn” (Feel Good All Over, 1993). 
VVAA - “Making Losers Happy (Xpressway NZ Singles 1988-91)” (Drag City, 1992). 
Omit - “Quad” (Corpus Hermeticum, 1997). 
Witcyst - “Real Folk: Lathe Cut Singles 1993 – 1997” (Pica Disk/End of the Alphabet, 2017). 
Peter Gutteridge - “Pure” (Xpressway, 1989). 
David Kilgour - “Here Come the Cars” (Flying Nun, 1991). 
The Dead C - “Trapdoor Fucking Exit” (Precious Metal, 1990). 
Tall Dwarfs - “Hello Cruel World” (Flying Nun, 1987). 
Jean Paul Sartre Experience - “Bleeding Star” (Flying Nun, 1993). 
VVAA - “Tuatara - A Flying Nun Compilation” (Flying Nun, 1986). 
Bird Nest Roys - “Bird Nest Roys” (Flying Nun, 1987). 
Builders - “Beatin Hearts” (Flying Nun, 1983). 
VVAA - “Time to Go - The Southern Psychedelic Moment: 1981-86” (Flying Nun, 2012). 


12 DISCOS DE JAZZ POST-2000.

Wadada Leo Smith – “Ten Freedom Summers” (Cuneiform, 2012).
Wadada Leo Smith – “America’s National Parks” (Cuneiform, 2016).
Wadada Leo Smith – “Najwa” (TUM Records, 2017).
Roscoe Mitchell Montreal-Toronto Art Orchestra – “Ride the Wind” (Nessa Records, 2018).
Henry Threadgill 14 or 15 Kestra: Agg – “Dirt...and more Dirt” (Pi Recordings, 2018).
William Hooker feat. Thomas Chapin – “Crossing Points” (NoBusiness, 2011).
John Tchicai/Charlie Kohlhase/GarrisonFewell/Cecil McBee/Billy Hart – “Tribal Ghost” (NoBusiness, 2013).
Joëlle Léandre – “A Woman’s Work” (Not Two Records, 2016).
David S. Ware/Cooper-Moore/William Parker/Muhammad Ali – “Planetary Unknown” (AUM Fidelity, 2011).
William Parker – “Crumbling in the Shadows is Fraulein Miller’s Stale Cake” (Centering Records, 2011).
William Parker – “Wood Flute Songs. Anthology/Live 2006 – 2012” (AUM Fidelity, 2013).
Daniel Carter/William Parker/Matthew Shipp – “Seraphic Light” (AUM Fidelity, 2018).


10 DISCOS DE FREE JAZZ ALUCINANTES QUE SE PUEDEN ENCONTRAR EN CUBETAS DE SALDO. 

Cecil Taylor - “Silent Tongues” (Freedom, 1975).
Cecil Taylor – “Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! Fly!” (MPS, 1981).
Art Ensemble of Chicago “Full Force” (ECM, 1980).
Air – “80° Below '82” (Antilles, 1982).
Old and New Dreams – “Old and New Dreams” (EMC, 1979).
Ornette Coleman – “Of Human Feelings” (Antilles, 1982).
Oliver Lake – “Shine!” (Arista Novus, 1979).
Joseph Bowie/Luther Thomas, Saint Louis Creative Ensemble feat. Charles Bobo Shaw – “I can’t figure out (whatcha doin’ to me)” (Moers Music, 1979).
Alice Coltrane – “Eternity” (Warner Bros., 1976).
Billy Bang – “Outline No. 12” (Celluloid, 1982).

15 CASSETTES QUE LE DAN CIEN MIL VUELTAS A LA MAYORÍA DE LPS.

(Agog - Joseph Hammer)

(Minóy)

Minóy – “In Search of Tarkovsky” (Minóy Cassetteworks, 1986).
Agog – “Putting Legs on a Snake” (Spagyric, 1987).
VVAA – “A Thousand Colors Blaze” (Gods of Tundra, 2007).
VVAA – “Garbage Sandwich” (Beast 666 Tapes, 1992).
VVAA – “Woundz Never Heal!” (Harsh Reality Music, 1988).
Roberta Eklund – “The Process of Recognition” (Eklund Cassettes, 1986).
VVAA – “Sabá: Conexão Rakta” (2016). 
Paul Dutton – “Paul Dutton” (Wintage Records & Tapes, 2008).
VVAA – “Underground Series Volumes 1 – 4” (Hanson Records, 2005-2006).
Akauzazte – “Maite Zaitut” (1992).


10 DISCOS QUE VIERON EL FUTURO. 

Captain Beefheart & His Magic Band - “Trout Mask Replica” (Straight, 1969). 
Pasan años y años, leo entrevistas y libros sobre el tema, escucho y vuelvo a escuchar, y sigo sin comprender cómo ese grupo de gente construyó ese MONSTRUO. Se ha dicho cientos de veces, aquí va otra: una obra de arte total en forma de disco. 




Cluster - “Cluster” (Phillips, 1971). 
Como Kluster (con Conrad Schnitzler) ya sonaban a lo que se haría 10 años después, pero en este primer disco de Cluster, Roedelius y Moebius se inventan el noise electrónico moderno sólo dos años después de Woodstock. 




Points of Friction - “Sackloth and Ashes” (The Solid Eye, 1984). 
Uno de mis discos favoritos de la historia. Joseph Hammer, Damian Bisciglia, Tim Alexander y Kenny Ryman inspirados por Captain Beefheart haciendo una música absolutamente única que convierte en redundantes la mayoría de los discos de “electrónica inteligente” de los 90.

https://soundcloud.com/nomalousecords/points-of-friction-beneath-the-skin

Can - “Delay 1968” (grabado en 1968, publicado por Spoon en 1981). 
Vale, The Velvet Underground sacaron su primer disco en 1966, y eso hace que cualquier gesto extremo posterior quede ensombrecido por la música sulfúrica de ese artefacto tremendo, pero estas grabaciones de Can del 68 con su primer cantante Malcolm Mooney ya suenan a No Wave y a post-punk salvaje. Uno de sus discos más sorprendentes e impresionantes. 




Smegma - “Glamour Girl 1941” (LAFMS, 1979).
Mothers Of Invention decían que ellos no eran hippies, sino “freaks”. Smegma se formaron en 1973 y son el verdadero estandarte de la música freak. 45 años de descacharre sónico, sampledelia primitiva, amauterismo, rock’n’roll deforme, noise y free-jazz demente. Cuesta pensar que Ju Suk Reet Meate, Oblivia o Amazon Bambi son personas de verdad y no súper-héroes salidos de otro planeta. 




Destroy All Monsters - “1974 1976” (grabado en 1974-76, publicado por Ecstatic Peace! y Father Yod en 1994). 
En su etapa pre-rock, DAM crearon una música que parece el antepasado directo de toda la escena noise de Michigan en los 90 alrededor de Wolf Eyes, Hanson Records y American Tapes. El ejemplo perfecto de no-músicos creando el mejor art-noise del universo.

Doo-Dooettes - “Look to this” (The Solid Eye/LAFMS, 1982).
Uno de los discos más extraños de los 80 (lo que ya es mucho decir, hablando del colectivo LAFMS), y que anticipa una estética y una apertura de mente que no llegaría hasta los años 90 y 2000. Versiones de bandas sonoras, rock marciano, sampledelia, instrumentos inventados, grabaciones de campo de otras galaxias, psicodelia post-hippie. Sólo los Residents jugaban con las formas musicales con este atrevimiento. 




Glenn Branca - “The Ascension” (99 Records, 1981). 
La mezcla perfecta de la energía minimal del rock, el clímax wagneriano y la música seria, todo a 200 decibelios y con la fuerza y el espíritu del punk. Se ha dicho hasta la extenuación: Sonic Youth le deben todo a este disco (y a Mars, en mi opinión). 




Eliane Radigue - “Transamorem – Transmortem” (grabado en 1973, publicado por Important en 2011). 
La Monte Young ya había creado su Dream Music maravillosa en los años 60, basada en el “drone”, pero Eliane Radigue da un paso en otra dirección y crea una música minimalista meditativa, profunda y absolutamente hermosa. Nirvana sonoro. 




Conrad Schnitzler - “The Black Cassette”/”Gelb” (1974).
Kluster sonaban a Throbbing Griste en 1971, pero no contento con ello, Conrad Schnitzler en solitario pulió y concentró su sonido grabando unas primeras obras que anticipan la música industrial más maquinal y el techno. Uno de los genios de la música electrónica.




12 CANCIONES DE FRANK ZAPPA QUE LE REDIMEN DE SER EL MÚSICO FAVORITO DE LA PEOR GENTE DEL MUNDO. 

Frank Zappa...uf, cada vez que le digo a alguien que me gusta recibo miradas de desaprobación y decepción. Hace unos meses entré con unos amigos a un bar donde estaba sonando el interminable solo de “Inca Roads”, y entusiasmado les dije: “¡Joder, Frank Zappa!”. Sólo recibí miradas de extrañeza y acabé farfullando entre dientes que sus primeros discos están bien y todo ese rollo que tanto repetimos sus sufridos fans. Parece que es un motivo de vergüenza ser fan de Frank Zappa, por eso creo que cada día lo escucho más. Cuando tenía 16 años compré una cassette de Zappa y me convertí en un “Zappa-Head”. A los 18 años tuve una temporada en la que decidí que todo el dinero que pudiera gastar lo haría en discos de Zappa hasta completar toda su discografía (por suerte, recobré el sentido común al cabo de unas semanas). El pasado verano sufrí otra de mis fiebres y pasé un mes re-escuchando discos y discos y vagando tristemente de tienda en tienda intentando encontrar piezas que me faltan del rompecabezas. Ahora mismo (aunque conociéndome, puede que dentro de unos años me gusten hasta sus discos de synclavier) creo que Zappa tiene dos discos perfectos (“Freak Out!” y “We’re only in it for the money”), un buen montón interesantísimos (prácticamente todo lo que hizo en los 60), unos cuantos discos de “jazz-rock” mediocres aunque con algunos buenos temas (mis favoritos cuando era adolescente) que son los que suelen amar los “wyomings”, “julianhernandezs” y otros “músicos” fecaloideos patrios, y un buen puñado de ladrillos infumables (discos en directo, obras faraónicas, etc). Aquí va una pequeña lista de canciones increíbles que explican por qué gente como el colectivo LAFMS, el buenísimo artista Savage Pencil o Mark Winter (Coneheads) son declarados “Zappa-Heads”. 

“Let’s make the water turn black”.
“Who are the brain police?”.
“Wowie Zowie”.
“Any way the wind blows”. 
“Take your clothes off when you dance”.
“You’re probably wondering why I’m here”.
“Status back baby”.
“Son of Suzy Creamcheese”.
“Who needs the peace corps?”.
“Concentration Moon”. 
“Harry, you’re a beast”. 
“Flower Punk”. 

Lista de reproducción con todos los temas:

https://www.youtube.com/playlist?list=PLP163T7CASw20rJYV6GYCSW35nnjcyOsP


14 TEBEOS FAVORITOS QUE NO SUELEN APARECER EN LAS ABURRIDÍSIMAS LISTAS DE MEJORES CÓMICS DE LA HISTORIA.

(Kim Deitch)

Sí sí...yo también pienso que “Maus” es la repera y me encantan Dan Clowes, Joe Sacco, Julie Doucet, Will Eisner y toda la panda. Pero la verdad es que cada vez que leo listas y ránkings de mejores cómics (bueno, se les suele llamar “novelas gráficas” en esos contextos) me entran unas ganas tremendas de bostezar. Esta lista tiene 14 cómics que no te lo van a poner fácil. La mayoría de ellos no se podrían considerar “divertidos” o “entretenidos”. Son objetos artísticos perturbadores que expandieron mi mente y todavía me ponen a prueba y me plantean preguntas cada vez que los releo (que han sido muchísimas veces). Algunos de ellos me incomodan y me meten en mundos realmente oscuros (pienso ahora en la grandísima Sue Coe).  Una lista personal que contiene la imaginación gráfica desbordada de Brinkman (en mi opinión, el gran genio del cómic de los últimos 25 años), el virtuosismo “vieja-escuela” de Kim Deitch (en mi pódium de autores de cómics, en la cima junto a Crumb), la narrativa multiforme de Gary Panter, los ultracinéticos cómics cubistas de Mary Fleener, el expresionismo figurativo de mi favoritísimo Pascal Doury, la psicosis anfetamínica del grandioso Rory Hayes (que abrió la puerta a artistas como Aline Kominsky y Mark Beyer), el torrente biográfico sin barreras de Aline Kominsky y Diane Noomin, la velocidad de la luz escatológica de Shunji Enomoto (la relatividad del espacio-tiempo hecha cómic), la personalidad única del extremado pintor Joe Coleman, la inocencia perturbadora de Sylvie Rancourt, , el maravilloso terror poético de Hideshi Hino, la propaganda elevada a obra de arte de Sue Coe, el heta uma fractal-sexual ultraenloquecido de Takashi Nemoto, y el infravaloradísimo y absolutamente genial Martí (mejor que Charles Burns). 14 puertas a otros mundos, algunos dolorosamente cercanos y otros a años luz de nuestra realidad. Imaginación a raudales en 14 artefactos mágicos. 

(Sue Coe)

(Mary Fleener)

(Mat Brinkman)

(Takashi Nemoto)

(Shunji Enomoto)

Mat Brinkman – “Multiforce”. 
Kim Deitch – “The Boulevard of Broken Dreams”. 
Gary Panter – “Jimbo: Adventures in Paradise”.
Mary Fleener – “Life of the Party”.
Rory Hayes – “The Keeper of the Mind”. 
Pascal Doury – “Théo Tête de Mort”.
Aline Kominsky Crumb & Diane Noomin – “Twisted Sisters”.
Shunji Enomoto - "Enomoto". 
Joe Coleman – “The Mystery of Woolverine Woo-Bait”.
Sylvie Rancourt – “Melody”.
Hideshi Hino – “Hell Baby”.
Sue Coe – “This Little Piggy Went to Market”.
Takashi Nemoto - "Monster Men Bureiko Lullaby". 
Martí – “Doctor Vértigo”.

BARBARA MANNING (MANCHAS Y RUIDO # 7)

(World of Pooh)

(Originalmente aparecida en Manchas y Ruido # 7). 

Barbara Manning es una de las figuras más míticas del “indie” estadounidense. 28th Day, los increíbles World of Pooh, seis buenísimos discos en solitario en los 90, S.F. Seals, The Go-Luckys!, y los experimentales Glands of External Secretion, con el misterioso editor de la revista Bananafish, Seymour Glass. Montones y montones de canciones brillantes que conforman una especie de neo-psicodelia folk 60’s disfrazada de “indie-rock”. La música que habría hecho Sandy Denny si hubiera vivido lo suficiente para enamorarse del estallido punk. Una tarde estaba escuchando el buenísimo disco de 28th Day, me puse a navegar por internet buscando información y entrevistas de ella y sus grupos y acabé mandándole un mensaje de fan y una petición de entrevista a través de su bandcamp. Al cabo de unas horas tenía un email de ella accediendo entusiasmada. Evidentemente, no conozco a Barbara personalmente, pero en el intercambio de emails que he tenido con ella las últimas semanas, me he encontrado a una persona absolutamente encantadora y humilde hasta lo indecible, lo que me ha hecho amar su música todavía más si eso es posible. Actualmente, Barbara Manning publica sus preciosidades en su bandcamp. Por lo visto, el sello Matador de deshizo de ella tras su buenísimo disco “1212” por no vender suficientes copias... En un mundo ideal, la música de Barbara Manning sonaría en todas las emisoras de radio (emisoras libres, por supuesto) alegrando y llenando de color la vida de cientos de personas. Hasta que llegue ese momento, puedes disfrutar de su maravillosa música aquí: 

https://barbaramanning.bandcamp.com/

https://glandsofexternalsecretion.bandcamp.com/

Discografía recomendada: 

28th Day – “28th Day” (Enigma/Bring out your dead, 1985). El único disco de 28th Day, una delicia de pop post-Byrds.

World of Pooh – “Land of the Thirst” (Nuf Sed, 1989). Uno de los mejores discos de rock de finales de los 80. 13 temas buenísimos de indie-rock afilado y corrosivo.

Barbara Manning – “Super Scissors” (Rainfall Records, 2007). Caja recopilatoria que incluye sus dos primeros discos y un puñado de demos y extras entrañables. Un apabullante despliegue de melodías sesenteras arropadas por mantos de guitarras. Byron Coley, un tipo que se caracteriza por su buen gusto, definió su primer LP “Lately I Keep Scissors” como uno de los mejores 100 discos de los 80. 

Glands of External Secretion – “Northern Exposure will be right back” (Starlight Furniture Co., 1995). Un disco maravilloso que parece salido del sueño de un personaje de una película de David Lynch. Un collage sonoro construido a base de preciosas canciones de Barbara y la psicosis deconstructiva de Seymour Glass. 

S.F. Seals – “Truth Walks in Sleepy Shadows” (Matador, 1995). Uno de sus discos más cristalinamente hermosos. Versiones de Pretty Things, John Cale y Faust (una alucinante “Flashback Caruso”), un montón de temas fuera de tiempo y lugar y una de las canciones infantiles más bonitas y siniestras del mundo, mi favorita “Kid’s Pirate Ship”. 

Barbara Manning – “1212” (Matador, 1997). Una absoluta maravilla con un comienzo demoledor: la suite “The Arsonist Story”, con la colaboración de Calexico y Jim O’Rourke. Cuesta imaginar que te echen de un sello tras un disco así. Dice mucho de la pobreza espiritual del sello Matador.

Barbara Manning – “In New Zealand” (Communion Label, 1999). Grabado en Nueva Zelanda con la colaboración de Chris Knox, David Kilgour, Robert Scott, David Mitchell y Graeme Downes. Su último disco “físico” en solitario.

Glands of External Secretion – “Reverse Atheism” (Butte County Free Music Society, 2012). Un ataque a la religión en forma de doble disco monstruoso y monumental. Uno de mis discos favoritos de su discografía. 


1. He leído en alguna parte que trabajas de profesora, ¿es cierto? (Yo trabajo como maestro de música). Si es así, parece un trabajo que escoge mucha gente metida en la escena artística y musical subterránea DIY, ¿por qué crees que es así?

Mientras vivía en Alemania durante el cambio de siglo, me preocupaba que tuviera pocas habilidades que pudiera utilizar en el trabajo, así que decidí volver a la universidad e intentarlo otra vez. Ahora soy una profesora de ciencias con empleo que vive en un área llena de niños. He dado clases de ciencia a chavales de entre 12 a 16 años. 

Cuando pienso en los beneficios de la enseñanza, mi primera respuesta es tener un período largo de tiempo libre. He descubierto que ese período está limitado a dos meses en verano y dos semanas en invierno, con una semana más en semana santa. No muchos trabajos en Estados Unidos ofrecen más de 10 días de vacaciones.

Ya sabrás que los estadounidenses típicos tienen percepciones sesgadas de su propósito en la Tierra. La mayoría simplemente trabaja hasta que muere, consumiendo a lo largo del camino todo lo que se ponga por delante. Músicos, escritores y artistas que necesitan tener un plan de ingresos, encontrarán que la enseñanza es exigente, forma el carácter y consume una enorme cantidad de tiempo durante el año escolar. Pero tener un largo período de tiempo libre mantiene vivo mi lado creativo. 


2. Creo que formaste parte del colectivo de Chico BUFMS (Butte County Free Music Society), ¿verdad? Veo que sigue más activo que nunca sacando cds y cds. ¿Sigues involucrada en él o tocas en alguna de las bandas relacionadas?

Me enorgullece estar involucrada en BUFMS al estar en el lugar correcto en el momento correcto con la gente correcta. Cómo esto sucede es inexplicable. 
Durante aquellos años de la década de los 80, yo tocaba en un fibroso “jingle jangly” trío que tuvo un estallido de éxito externo. 28th Day grabamos un disco encantador y después cada uno seguimos nuestro camino.
Cuando el tiempo y el temperamento lo permiten, toco con Bren’t Lewiis Ensemble, aunque sólo he participado en un puñado de actuaciones. He visto tocar a BLE muchas veces. La primera vez que presencié el horror de BLE fue en garaje de una editorial en Chico. Si no recuerdo mal, esa tarde vi también por primera vez a Vomit Launch. 

3. ¿Participaste en la escena punk estadounidense de los 80 o vienes del lado más “artie” del espectro?

Punk rock, para mí, significa expresión propia cruda musical. Así que sí, creo que estuve metida en la escena punk ochentera estadounidense. ¿Tocaba punk rock más artístico que la escena hardcore punk? ¡Por supuesto! La mayoría de las veces, diferentes facetas de punk rockers se mezclaban y se fundían las escenas. Me mudé a San Francisco en los 80 cuando era un gran sitio para ver grupos y estar en uno. En esa época había varios lugares que apoyaban estilos musicales extraños y un montón de fans freaks dispuestos a pagar para ver un concierto.
Mientras tanto, en Chico, California, la escena era principalmente “cowboy rock” y grupos pequeños y fructíferos de rock hippie. Los hippies eran la gente de mi madre, así que nunca me interesó esa escena. 

(28th Day)

4. Recientemente, Starlight Furniture Co. ha reeditado el disco de World of Pooh “The Land of Thirst”. Para mí, esto supuso una doble sorpresa: poder obtener una copia de ese gran disco, y enterarme de que el sello Starlight todavía existe. Leí en Dynamite Hemorrhage una fascinante historia oral del grupo...Nunca habría imaginado que era una banda tan “salvaje”. ¿Cómo recuerdas esos días?

Mis recuerdos de World of Pooh son cálidos y confusos.

(Un disco salido de un sueño)

5. Glands of External Secretion, con el misterioso Seymour Glass, es uno de mis grupos favoritos. Cada disco que he escuchado ha sido una sorpresa y ha destrozado totalmente mis expectativas. Había escuchado el pop fracturado surrealista de “Northern Exposure will be right back” y entonces la psicodelia salvaje anti-canción y la experimentación casi sampladélica de “Meat Receivint” me dejó volado. Y cuando el magnífico “Reverse Atheism” salió...wow. Realmente creo que es uno de los discos más infravalorados del siglo XXI. TMe gustaría que me contaras acerca del proceso de composición que Seymour y tú seguís en GoES. 

Muchas gracias por tus altos cumplidos para GoES. Estoy de acuerdo contigo en que los discos continúan sorprendiendo y confundiendo. Mi trabajo dentro del grupo es muy pequeño. Nuestro proceso creativo incluye un Líder Alpha (Seymour) y una Herramienta Beta (yo). Yo soy simplemente una de las herramientas que usa Seymour para crear sonidos. Me da directrices que seguir, y yo las sigo lo mejor que me permiten mis habilidades. A veces ralentizo todo el proceso, pero Seymour da un pequeño latigazo y me vuelvo a poner a ello. Habría muchas más grabaciones disponibles si Seymour no tuviera que esperarme. 

6. “Reverse Atheism” parece un disco complicado de hacer, corrígeme si no es así. ¿Cómo grabasteis ese disco monumental? ¿Cuánto tiempo os llevó el proceso? Casi no hay información ni críticas por ahí sobre el disco, ¿qué demonios ha pasado?

 “Reverse Atheism” es uno de mis discos favoritos en que he estado involucrada. Seymour explicó la importancia de hacer un disco centrado en la confusión y la hipocresía de las creencias religiosas. Una vez más, fue completamente su visión. Seymour tiene una idea; la planea; consigue las herramientas que necesita; y entonces completa su plan. Es una persona que cumple sus plazos personales extremadamente rápido. Seymour es muy diligente con su arte.

7. Soy un verdadero gran fan de la revista Bananafish, mi publicación favorita de todos los tiempos. Al igual que le ocurrió a Dylan Nyoukis, esa revista cambió mi vida, la considero mi propio LSD (en el sentido en que los viejos hippies expandieron sus mentes). Tú colaborabas en la revista, ¿verdad? Recuerdo una foto del personal visitando a Seymour en el hospital en la que aparecías. ¿Colaboraste profundamente? Desde la distancia, parecía un pequeño puñado de gente loca y extraña, ¿cómo os conocisteis?

Al principio, mi aportación a Bananafish fue funcional. Trabajaba en una tienda de impresión offset en el centro de San Francisco, no muy lejos de donde trabajaba Seymour. Él me trajo los primeros números y yo los imprimí muy baratos. Habrías disfrutado de salir con todos esos locos mientras doblamos y grapamos los primeros números juntos.
Sólo hice una entrevista al artista, ilustrador y músico J.D. King. 
Cuando Seymour me explicó que los colaboradores le pasaban las entrevistas ya mecanografíadas y transcritas de la cinta, me asusté un montón. En lugar de esperarme meses, a transcribió por mí. Decidí que si no era capaz de transcribir mis entrevistas, entonces no tenía excusas para grabarlas. Por eso apenas colaboré en Bananafish. Yo y tantos otros salimos en los agradecimientos de varios números porque Seymour siempre recuerda los favores que le hacen.

8. ¿Qué es ese “Shattered Future” que aparece mencionado en los créditos de “Northern Exposure”? Era un programa de radio local, ¿verdad? 

Conocí a Seymour a través de su participación en la emisora de radio de Chico, KCSC. Seymour aparecía en un par de programas de tarde, uno de ellos era Shattered Future. 
En él, invitaba a amistades a leer poemas, prosa, obras de teatro o cualquier cosa que pudiera ser recogida con un micrófono. Seymour trabajaba en su programa durante horas la semana previa y después soltaba el Shattered Future para la gente que lo sintonizaba. Yo contribuí con muchos poemas de angustia adolescente. 

9. En 1999 grabaste un disco realmente precioso llamado “In New Zealand”, con colaboraciones de muchos músicos relacionados con el sello Flying Nun. El anterior número de este fanzine estuvo enteramente dedicado a Chris Knox, uno de mis ídolos. ¿Puedes contarme alguna anécdota de la grabación de ese disco?

Comparto contigo gran respeto y amor por Chris Knox.
Tuve algunas experiencias de gira con Chris. En 1994 vino con SF Seals en nuestra furgoneta varias semanas. También me quedé en el patio de su casa las dos veces que visité Auckland. No solo he hecho música y grabado con él, estuve viendo los deportes por la tele con él y su familia. 
Mi recuerdo favorito de la grabación de “Your Pies” con Chris es la forma en que me animaba a gritar las letras. Se puso de pie delante de mí, cara y manos apretadas, enrojeciendo con los ojos brillantes.

10. ¿Todavía sigues dando conciertos sola y con GoES?

Raramente doy conciertos. Sin embargo, GoES vamos a tocar este verano en una fiesta en el patio de una casa en Long Beach, California.

11. En los últimos discos de GoES (“Master of Atlantis” y “Absent-minded Control Freak”, ambos de 2016), no hay ni rastro del formato canción. ¿Lo habéis abandonado definitivamente?

Yo soy sólo la Herramienta Beta. Se debe consultar al Líder Alpha para la logística futura. 

12. En tu bandcamp hay un hermoso disco digital de 2016 llamado “Chico Daze”. ¿Tienes planes para publicarlo en formato físico? ¿Estás preparando algún otro disco?

 “Chico Daze” es una extraña colección de grabaciones que realmente no encajan entre sí, pero no sabía qué más hacer con ellas aparte de agruparlas y publicarlas como descargas. Me encantaría sacar más singles de 45 rpm, pero en el momento en que grabé “Chico Daze”, era financieramente pobre y no tenía buenas ofertas para publicarlo en vinilo.

13. ¡Muchas gracias, si quieres añadir algo, este es el lugar!

12 es mi número favorito. No hay necesidad de más. ¡Siento haber tardado tanto en contestar y mandar esto!

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(28th Day)

1. I've read somewhere that you work as a teacher, is it true? (I work as a music school teacher) If you do, it seems like a job many people involved in DIY subterranean music and art choose, why do you think is that?

While I was living in Germany during the turn of the century, I worried that I had few skills I could use in the workplace, so I decided to go back to university and try again. Now I am an employable science teacher living in an area teeming with children.   I’ve taught science classes to kids between 12 and 16. 

When I think about the benefits of teaching, my first response is having an extended period of time off.  I’ve discovered that time off period is limited to about two months during summer and two weeks during winter with a week thrown in there around Easter for good measure. Not many paid jobs in America offer more than 10 days off maximum.  You might know that typical Americans have skewed perceptions of their purpose on Earth. Most simply work until they die, consuming all along the way whatever is put in front of them. Musicians, writers, artists who find a need to have a backup plan for income will find that teaching is demanding, character building, and extremely time consuming during the school year.  But to have an extended stretch of time keeps my creative side alive.

2. I think you were involved in the Chico collective BUFMS, right? I see they're most active than ever releasing cd after cd. Are you still involved with them or are you playing in any of the bands related?

I proudly have involvement with BUFMS by being in the right place at the right time with the right people.  How that happens is unexplainable.

During those few years in the 1980s I was playing in an edgy jingle jangle trio that had a burst of outside success.  28th Day recorded a lovely record and then went our ways.  

When timing and temperament allow, I play with Bren’t Lewis Ensemble, although the performances I’ve participated are simply a handful.  I have seen BLE many times. The first time I witnessed the hideousness of BLE was at a Chico magazine publisher’s garage.  If I remember right, I saw Vomit Launch for the first time that evening too.

3. Were you involved in the 80's american punk scene or do you come from the "artier" side of the spectrum?

Punk rock, to me, means raw self-expression in music. So, yes, I think I was involved in the 1980’s American punk scene.  Was I playing artier punk rock than the hardcore punk scene? Hell Yeah! Most of the time different facets of punk rockers blended and merged scenes. I moved to San Francisco during the 1980’s when it was a great place to see and be in a band.   At that time there were several venues that supported weird music genres and plenty of freaky fans willing to pay to see a show.

Meanwhile, in Chico, California, the scene was mostly cowboy rock with the small, but fruitful groups of hippie rockers.  The hippies were my mom’s crowd, so I never got into hippie music.  

4. Recently, Starlight Furniture Co. has released the great World of Pooh's "The Land of Thirst". For me, it supposed a double surprise: being able to get a copy of that great record and knowing that Starlight label still exists. I read in Dynamite Hemorrhage a fascinating oral story about the band...I never would have imagined the band was so "wild". How do you remember those days?

My memories of being in World of Pooh are warm and fuzzy.

(World of Pooh)

5. Glands of External Secretion, with the mysterious Seymour Glass, are one of my favorite bands. Each record I've listened is been a surprise and has totally broken my expectatives. I had listened to the fractured surreal pop of "Northern Exposure will be right back" and then the wild psychedelic anti-song almost sampledelic experimentalism of "Meat Receiving" knocked me out. And when the magnificent "Reverse Atheism" went out...wow. I really think that is one of the most underrated record of the 21st century. I'm curious about the "writing" process Seymour and you follow in GoES. Can you tell me about your creative process? 

Thank you so much for complimenting GoES so highly.  I agree with you that the records continue to surprise and confound.  My work within the band is very minimal.  Our creative process includes an Alpha Leader (Seymour) and a Beta Tool (moi).  I am simply one of the tools that Seymour uses to create sounds with.  He gives me directions to follow, and I follow them to the best of my abilities.  Sometimes I slow the whole process down entirely, but Seymour cracks a short whip and I get back to it.  There would be many more recordings available if Seymour didn’t have to wait for my attention.

6. "Reverse Atheism" looks like a difficult record to make, correct me if it wasn't. How did you record that monumental record? How long was the process? There's almost no info or reviews about that record around there, what the hell happened? 

Reverse Atheism is one of my favorite records I’ve been involved with.  Seymour explained the importance of doing a record that focused on the confusion and hypocrisy of religious beliefs.  Again, it was all his vision.  Seymour gets an idea; he maps it out; he gets the tools he needs; and he completes his plan.  His personal turn-around time is extremely quick. Seymour is very diligent with his art.

7. I'm a real big fan of Bananafish Magazine, my favorite publication ever. As happened to Dylan Nyoukis, it changed my life, I consider it my LSD (in the sense that the old hippies opened their minds with it). You collaborated in the magazine, right? I remember a picture of the stuff visiting Seymour in the hospital in which you appeared. Did you collaborate deeply in that mag? From distance, it looked like a little bunch of weird crazy people, how did you meet each other?

At the beginning, my input to Bananafish was useful.  I worked at an offset printing shop in downtown San Francisco, not far from where Seymour worked.  He brought the first issues to me and I had them printed on the cheap.  You would have enjoyed hanging out with all those crazies as we collated and stapled the first few issues together.
I did one early interview with artist, illustrator, and musician J.D. King.
When Seymour explained that contributors gave him their interviews already typed out, transposed from the tape recorded conversation, I freaked out.  Instead of waiting for months, he typed it out for me.  I decided if I couldn’t type my interviews then I had no excuse to record them.  That is why I barely contributed to Bananafish.  He would thank me and several others in the issues anyway because Seymour always remembers a kindness done for him.

8. What is that "Shattered Future" that is mentioned everywhere in the liner notes of "Northern Exposure"? Was it a local radio program, right? 

How I got to know Seymour was through his involvement with Chico radio station, KCSC.  Seymour appeared on KCSC in a couple of evening programs, one of which was Shattered Future.

Shattered Future was a sound collage of multiple tracked banality and oddities that was somewhat pre-recorded, but most was played and manipulated live on the air by Seymour Glass.  

He invited friends to read poems, prose, plays and skits, or any whimsy that could be captured by microphone.  Seymour would work on his show for hours the previous week and then unleash the Shattered Future to those who tuned in. I contributed many teen angst poems for his show.

9. In 1999 you recorded a really beautiful record called "In New Zealand" with collaborations from many NZ - Flying Nun related great musicians. The last issue of this zine was entirely dedicated to Chris Knox, one of my idols. Can you tell me any anecdote about the recording of that LP? 

I share with you great respect and love for Chris Knox. 

I’ve had a few touring experiences with Chris.  In 1994 he joined the SF Seals in our van for several weeks.  I also stayed in his backyard both times I was visiting Auckland.  Not only have I written and recorded with him, I got to watch sports on t.v. with him and his family.

My favorite memory about recording “Your Pies” with Chris was the way he was hyping me up to scream the lyrics. He stood looking at me, face and hands clenched up, turning red, eyes gleaming.

10. Do you still play live alone and with GoES?

I very rarely play live. However, GoES are playing this summer at a backyard party in Long Beach, California.

11. In the last GoES records (“Master of Atlantis” and “Absent-minded Control Freak”, both from 2016) there’s no trace of the song format. Have you definitely abandoned it?

I am only the Beta Tool. One must consult the Alpha Leader for all future logistics.

12. In your bandcamp there's a beautiful digital record from 2016 called "Chico Daze". Do you have plans for releasing in physical format? Are you preparing any other record?

Chico Daze is an odd collection of recordings that don’t really belong together, but I didn’t know what else to do with them except group them and release as downloads.  I’d love to release more 45” singles, but at the time I recorded the Chico Daze collection, I was financially poor and had no good offers to release them on vinyl.

13. Thanks a lot, if you want to add something, this is the place!

12 is my favorite number. No need for more. Sorry for taking so long writing and sending this!