ATOMIZADOR "...Y QUÉ ES EXACTAMENTE UN SUEÑO..." ADELANTO

Tema de adelanto de "...y qué es exactamente un sueño...", próximo LP de Atomizador. 20 temas de láud, vihuela y voces.

Edición en vinilo después de verano por Discos Alehop! y Afeite Al Perro.

MURKY - DISCOS ALEHOP! (MANCHAS Y RUIDO # 10)

FRENAR LA ACTIVIDAD. MURKY Y DISCOS ALEHOP!

Murky.

No existe en el mundo nada parecido a Discos Alehop!, uno de los núcleos de resistencia musical más especiales del universo, una misteriosa comuna de libertad enloquecida, fuente de inspiración inagotable y modelo de conducta. Han pasado 25 años desde su nacimiento, y echar un vistazo a su catálogo es repasar una parte fundamental de la música subterránea y marginal de nuestro país.

Eva y Murky crearon la plataforma creativa más chiflante del mundo, con un pie en el rock’n’roll más salvaje y primitivo y otro en el art-rock más descacharrado y alucinado. Con el personalísimo arte de Olaf Ladousse (el artesano definitivo, ver entrevista en Manchas y Ruido # 5) envolviendo gran parte de sus discos y carteles, un sentido del humor ácido y una inteligencia, humildad y ética a prueba de bombas, se convirtieron en el sello favorito de cualquier amante del punk’n’roll libre de dogmas, modas y corrientes.

Conocerles a principios de los 2000 fue una explosión nuclear en mi cerebelo que abrió la puerta a un mundo excitante repleto de música y arte inclasificable. Grupos como Solex, Ginferno, Grimorio o Los Caballos De Düsseldorf dieron algunos de los conciertos más increíbles que recuerdo de esa época, y la inclusión de un tema de Ensaladilla Rusa en “La Legaña Sinfónica” es uno de mis hitos vitales personales.

En enero de 2018, Eva abandonó este plano de realidad en un día tristísimo. Desde entonces, Murky continúa con el sello de otra manera, como él mismo explica en la entrevista. Su última edición es un preciosísimo disco llamado “Cualquier parecido con la realidad es una mierda”, su primer disco de “canciones” desde Grimorio, que además viene envuelto en sus increíbles dibujos. Yo ya había tenido la suerte de escuchar algunos temas en versiones caseras y ya estaba enamorado de su particular forma de componer y de sus originales y superinspiradoras letras.

Para mí es un orgullo formar parte de la historia de uno de mis sellos dorados y poder dedicarle unas páginas de Manchas y Ruido. Eva, Murky, Olaf. Discos Alehop!. Mis psicodélicos libertarios favoritos.

Murky y Eva.

1. Murky, corrígeme si me equivoco, Eva y tú crecisteis en Villaviciosa de Odón, ¿verdad? ¿Cómo os conocisteis vosotros y la gente de Patrullero Mancuso? Es sorprendente que surgiera un grupo de personas con unas referencias culturales tan poco habituales en un lugar así.

Eva nació en Madrid en 1969. Se crió entre el barrio de Comillas y Villaviciosa de Odón, donde tenía un chalet al que iba con su familia en verano y algunos fines de semana durante el año. Yo nací el mismo año y en el mismo lugar que Eva. Mis padres y yo estuvimos viviendo en Carabanchel y luego en Aluche. A comienzos de los 80 nos mudamos a unas casas adosadas ubicadas en el pueblo de Villaviciosa. Allí recibí una o dos clases de guitarra en una escuela de música, pero pronto abandoné para pasar a practicar por mi cuenta, no necesitaba ayuda profesional para tocar el ‘Human Fly’ de los Cramps. También le daba al baloncesto en el polideportivo del pueblo. Echando unas canastas conocí a dos hermanos, un jevi (jugaba con muñequera de pinchos) y un chaval con alma punk del barrio de Batán que poseían un chalete en la urbanización El Castillo. Nano (el punki) y yo nos hicimos amigos inseparables, compartíamos adoración por Parálisis Permanente, Desechables, el garaje revival… Él me presentó a otro pirado por la música, Jose, que venía del rock sinfónico (¡tenía discos de Can y Caravan!) pero derivó a Simple Minds, Talking Heads, Prefab Sprout y ese tipo de pop sofisticado. Jose me presentó a su hermana, Eva. Nano, Jose, Eva y un servidor comenzamos a sacar canciones usando mi guitarra, un organillo y cualquier cosa que fuera aporreable a modo de percusión. Hacíamos punk garajero con letras irritantes. ‘Mierdera comunión’, ‘La compresa me pesa’ y otros hits fueron registrados con un radiocasete en 1986 bajo el nombre de Los Mierdas. Otro tipo de canciones de diferente estilo dieron lugar a otros proyectos como Absoluto Disoluto (1987). Todo era grabado y “publicado” en cinta con su correspondiente portada.

Una tarde me dirigía a casa de Nano cuando escuché a los Clash a volumen atronador. Se trataba de los hermanos Godino, Jaime y Manuel, a los que conocí poco después en un bar del pueblo. Nuestro entusiasmo por el punk77 nos unió inmediatamente y decidimos hacer algo juntos. Ensayábamos en una especie de trastero que tenían los Godino en su casa. Nano, Jaime, Fumi y yo creamos Los Calambres en el 87 (Pablo Cobollo tenía un grupo con el mismo nombre por aquella época antes de crear Soul Bisontes). Combinábamos versiones de Damned, Ramones, Trashmen y Cramps con canciones propias. Durante una temporada compartimos local con un grupo punki de Madrid llamado Fruto de instituto. Dimos tres conciertos y poco más.

Entonces apareció por el pueblo un menda de Bilbao (Guiller Momonje) con melenas y botines que había venido a vivir con sus tíos Willy y Tere para estudiar en un instituto de Móstoles. Guille nos contó que había tocado la batería junto a su hermano Mariano en un grupo de punk siniestro llamado Efecto Pogo. Le probamos con ‘Destruye y mata’ de Desechables. Nos dejó tan flipados por su desparpajo y creatividad que decidimos hacer un nuevo grupo. Patrullero Mancuso nació en 1988 con espíritu punk77, combinábamos canciones propias como ‘Hazte un lifting” o ‘La matanza de Lugo" con versiones de Buzzcocks, Motorhead o Stiff Little Fingers. A nuestros chows asistía un público muy variopinto, desde pijos a jevis (por ahí rulaba Joe de los Rotten Minds, a los que vimos tocar en una heladería del pueblo). En uno de estos conciertos contactamos con El Rubio y Jeffrey (hijo de Tele de Triana), amantes del blues y la sicodelia con los que inicié la aventura triposa de Electric Garden. Esa afición compartida por el ruido y el blues fue el germen de Pretty Fuck Luck (Rubio, Eva y yo). Paralelamente, entre 1988 y 1990, Guillermo y el menda sacamos siete álbumes en cinta (en nuestro sello Paralís Casete) como Villavil y dos como La Perla. Los grupos surgían espontáneamente como monguis silvestres.

Todos los arriba citados y algunos más nos reuníamos en un par de bares de la “calle del peligro”, el Happy Hour y el Curacao. En ambos nos dejaban pinchar de vez en cuando, era la manera más directa de escuchar/conocer viejos (Velvet Underground, Love, Back from the Grave…) y nuevos grupos (Butthole Surfers, Pussy Galore, Oblivians…) que luego grabábamos y compartíamos en cintas entre colegas.

2. Discos Alehop! nació para publicar el primer disco de Soul Bisontes, en 1994. ¿Cuáles fueron vuestras motivaciones a la hora de crear el sello? Normalmente, ¿buscabais grupos o la gente se ponía en contacto con vosotros?

No hubo ninguna intención de comenzar un sello, tan solo queríamos que ‘Vértigo Peninsular’ viera la luz, que la gente pudiera disfrutar las maravillosas canciones de Pablo y Titín. Trabajar en Munster (y luego en ROTO) facilitó la fabricación de discos, provocó que pasáramos de sacar casetes y maquetas a publicar directamente nuestros vinilos. El sonido característico (luego nos enteramos que eso se denominaba Lo-Fi) de la mayoría de las primeras referencias son grabaciones caseras en un cuatro pistas portátil o realizadas en el mini-estudio de Tele, Telesound (si había dinero).

Los artistas de Alehop! solían ser gente del entorno cercano como Electric Garden, Guiller Momonje, Pretty Fuck Luck, o Solex. Algunas bandas que descubríamos en directo: Capitán Entresijos, Ulan Bator Trio, Lighting Beat-Man o Doo rag. Y grupos que nos mandaban sus maquetas a casa como Atom Rhumba o Jugos Lixiviados.

3. Como buscador incansable de modelos vitales de conducta e inspiración, me interesa muchísimo saber cómo funcionaba y funciona el sello: los acuerdos que teníais con los grupos, si teníais un modelo concreto de actuación o dependía del grupo, si os inmiscuíais en el apartado creativo de los grupos o dejabais hacer, etc.

Nunca se hizo contrato alguno, siempre mediante acuerdo verbal. En ocasiones el grupo aportaba la grabación y nosotros la fabricación, en otras corríamos con todos los gastos. Repartíamos las copias y ya está.

Creo que solo fueron modificadas dos portadas: la del single de Atom Rhumba y la de Felón y su Mierdofón. Del cambio en el arte de Atom Rhumba surgió el logo del grupo.

4. Me resulta curioso que Patrullero Mancuso nunca publicara nada en Alehop! exceptuando el tema incluido en “La Legaña Sinfónica”. ¿A qué se debió esto?

Patrullero acabamos publicando dos canciones más en Alehop!: ‘Vacío’ (perteneciente a la primera maqueta) y ‘¿Puedo recoger mi cámara?’ (de la sesión de “Bodegón musical”. El título de la canción es la última frase que pronuncia el patrullero Mancuso en La Conjura de los necios). Ambas aparecen en la cara “Entrada a cripta” del LP de Villavil.

Los Mancuso estuvimos a punto de fichar con Subterfuge, pero al final nos decidimos por Munster. La oportunidad de que un sello pusiera pasta para grabar con mejores medios técnicos (que no llegaron hasta nuestro tercer LP, “Viva bonito”) nos hizo permanecer en Munster y más tarde en Elefant.

5. Desde mi punto de vista, Alehop! nunca tuvo nada que ver con la horrible estética indie/noise/pop de los 90 y principios de 2000. Aunque a Patrullero Mancuso se os metía dentro de ese mejunje, desde fuera parecía claramente otra cosa. ¿Cómo vivisteis toda esa historia?

Al pertenecer a Munster y Elefant estábamos dentro de esa movida, tocábamos en sus festivales, y salíamos en sus revistas, y además pertenecíamos a la SGAE (agh!). Yo siempre me sentí muy incómodo con ello e intentaba combatirlo con ironía. Nuestra única vía de escape para hacer las cosas a nuestra manera manteniendo la pureza la encontrábamos en Alehop!.

Patrullero Mancuso.

6. Aunque en tu último disco pareces rechazar la palabra “arte” y la escatología ha formado parte de la imaginería habitual del sello, siempre os consideré una comuna artística llena de seres inclasificables: los alucinantes artesanos cósmicos Olaf Ladousse (artista “residente”) y Fela Borbone, carteles y portadas de Stu Mead y Pakito Bolino, el libro de carteles que se publicó en 2005... Este universo gráfico subterráneo, ¿fue una decisión intencionada o surgió por casualidad?

No rechazo el arte, me irrita el concepto de pieza de arte, las series numeradas y limitadas, la estupidez elitista que infla el valor de los objetos. Detesto el coleccionismo.

La culpa de que nos volviéramos más “arties” la tuvo principalmente Olaf, y también otros buenos amigos de la comuna Alehop! (término divertido que acuñó Mondo Brutto) como Julio (aficionado a la fotografía) o Germán del fanzine Consomé Royal. Mesié Ladousse nos introdujo en el mundo de la serigrafía, los soportes y formatos alternativos, etc. Procurábamos que nuestros discos fueran bonitos y diferentes, también más económicos.

Las Solex.

7. “La Legaña Sinfónica” es uno de mis recopilatorios favoritos de siempre, y para mí, el documento definitivo de la mezcla de músicas expansivas que se dio por aquí a principios/mediados de los 2000. Olaf me habló alguna vez de una tercera parte de la trilogía llamada “El Moco Tecno”. ¿Qué fue de ese disco? La lista de participantes incluía un montón de nombres extranjeros: Chris Knox, Daniel Johnston, Black Lips, Quintron, The Goblins, Demolition Doll Rods... ¿cuál era el propósito de este disco y del previo y descacharrante “La Cagarruta Sónica”?

“El moco tecno” se subió a internet (acabo de descubrir que ha desaparecido) por falta de presupuesto. Participaron Kid & Khan, Rob K., Atom Rhumba, Mississippi Blind Mike, Guiller Momonje…

La intención de La Cagarruta y La Legaña era demostrar que existía mucha gente haciendo música diferente a la que salía reseñada en la prensa y sonaba en la radio.

Dos clásicos de rocanrol libre.

8. Tu último disco está envuelto en tus propios y personalísimos dibujos, y has entrado a formar parte de la kilométrica lista de dibujantes del increíble fanzine “Qué Suerte”. ¿Cuáles son tus influencias a la hora de dibujar? ¿Te interesa el cómic y el arte subterráneo?

Imagino que todo lo que he leído/visto acabó siendo una influencia a la hora de dibujar (algo que no hacía con cierta constancia desde los años 80 y volví a recuperar en el 2017). Aquí va una lista de los artistas y dibujos que he disfrutado:

Años 70: Disney, Looney Tunes, Hanna-Barbera, Bruguera, Astérix, Tintín…

Años 80: Richard Corben, Will Eisner, Robert Crumb, Gilbert Shelton, Hans Arnold, Toutain, Metal Hurlant…

Años 90: Peter Bagge, Daniel Clowes, Charles Burns, Daniel Johnston, Josetxo Ezponda, Mauro Entrialgo, Olaf Ladousse, César Fdez. Árias, Fela Borbone, Chris Knox…

2000-2010: Edward Gorey, Julie Doucet, Jim Woodring, Blanquet, Marjane Satrapi, Stu Mead, Paquito Bolino…

2010-2019: Abraham Díaz, Basil Wolverton (las reediciones), Olivier Schrauwen, Simon Hanselmann, Herr Seele, Teodoro, Jose Haz, Edu Rizoma…

Uno de los personalísimos dibujos-maravilla de Murky.

9. No eres muy amigo de tocar en directo, y hace poco me dijiste que de momento no ibas a hacerlo más. Ya sabes que para mí dar conciertos tampoco es algo que hacer todos los días, pero me gusta ponerme de cuando en cuando en esa situación y mostrar mi música de esa manera, en parte quizás por no encerrarme demasiado en mí mismo, una de mis tendencias naturales. ¿Qué motivos encuentras para tocar en vivo cuando lo has hecho?

Es que lo paso fatal. Días antes me pongo tan nervioso que la espera me acaba generando ansiedad. En la primera época de Patrullero no me ocurría porque solíamos envalentonarnos a base de alcohol, además nos la pelaba todo. Con Pantasma me sentía muy arropado ya que éramos muchos músicos tocando un estilo muy libre. Los Caballitos es en gran parte improvisación, nunca tuve pánico al error. Pero en los conjuntos en los que he tenido un papel más protagonista me ha costado horrores tocar en directo. Después del parraque cerebral la inseguridad ha ganado la batalla. Lo que me gusta es componer en casa y luego ver cómo se desarrollan y mutan las canciones al compartirlas con otros músicos.

10. Desde la tristísima marcha de Eva, llevas el sello tú solo y has sacado dos referencias: el disco compartido de Emboscada y Calabaza Cósmica, y el tuyo compartido con tu propia banda, López-Peláez. Ambos son proyectos salidos de tu entorno más cercano, ¿tienes algún tipo de “plan” o idea futura para el sello o, como imagino, te mueves por tu propio “instinto”?

Todo ha cambiado mucho tras la marcha de Eva. Mis prioridades, mi situación económica… ahora todo es muy distinto. Mi intención, y no solo con el sello, es frenar la producción, reducir la actividad. Por ahora no hay nada previsto hasta 2020.

11. ¿Hay algún disco del sello al que le tengas un cariño especial por algún motivo? Sé que está feo escoger, pero si alguien quisiera introducirse en el universo Alehop!, ¿qué discos le recomendarías?

Glups! Me voy a mojar: el single “Stéreo Hi-Fi” de Ulan Bator Trio. El doble LP “La legaña sinfónica”. La reedición del “Cryptic and Coffe Time” de Sting-Rays.

12. Murky, muchas gracias por tu tiempo y amabilidad. Para mí es un honor gigantesco y una grandísima ilusión incluir en mi fanzine al universo musical más inclasificable e inspirador que ha salido de Madrid. Si quieres añadir alguna cosa más, este es el lugar.

Gracias a Iñaki, Diana, Mario, Ibon y Teresa por su ayuda en la elaboración de “Cualquier parecido con la realidad es una mierda”. Y también dar las gracias a Jose Haz, Teodoro, Olaf y Héctor Sudor por la inspiración recibida. ¡Salud!

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DISCOGRAFÍA FAVORITA:

Ulan Bator Trio “Vinilisimo!” (1998). 

El LP de Ulan Bator Trio es una locura sin parangón, y Fela Borbone, “líder” de la banda, uno de los personajes más icónicos del sello. Difícil describir esta chaladura. Imagínate a unos Ramones nacidos en Valencia (ciudad extrema donde las haya) y completamente enajenados construyéndose sus propios instrumentos con materiales reciclados de la basura y tocando un par de decenas de canciones de rock cavernícola barbárico con letras aberrantes “cantadas” a alaridos por un demente. Ahora imagina que graban todo eso a tiempo real en una cassette roída de 4ª generación y convierten ese bullicio en un vinilo por medio de una cortadora con la aguja oxidada y ya te estarás acercando al sonido de este maravilloso despropósito. Paloma Borbone, bajista del grupo, afirma que no ha podido escuchar el disco entero jamás. Una obra maestra de punk perturbado.

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“La Cagarruta Sónica” (1997). 

Primer disco de la trilogía inacabada de recopilatorios del sello. Un enloquecido desfile de orfebres de no-fi rock descontrolado (Jugos Lixiviados, Pretty Fuck Luck, Lo-lite, Doo Rag, Lightning Beat Man) y compañer@s espirituales de descacharre (Piolines, Laluli, Eko Sisters, Solex). Un verdadero museo de la tortura de guitarras, baterías y cuerdas vocales. Si este disco hubiera caído en mis manos en 1997, estoy convencido de que mi recorrido musical habría sido muy diferente.

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“La Legaña Sinfónica” (2003). 

Segunda parte de la trilogía y mi disco favorito del sello. En mi opinión, el artefacto que cristaliza de manera definitiva la explosión de ideas y cruce de escenas y géneros que se dio por aquí a principios de los dos miles. Daniel Johnston, Hello Cuca, Chris Knox, Rag Cutter, Tres Delicias, Mushitcians, Quintron, Country Teasers, y así hasta 37 ejemplos de imaginación y libertad musical. El diseño espectacular de Pakito Bolino convierte este disco en una obra de arte total. Sorprendentemente, todavía se puede encontrar fácilmente, al igual que “La Cagarruta Sónica”.

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Grimorio “Mis ácaros favoritos” (2003). 

Grimorio eran Murky a la guitarra y voz y Javier a la batería. Solo recuerdo haberles visto una vez en directo y haber quedado fascinado por la inventiva de canciones como “Amigos de la droga”, las melodías-serpentina vocales y las intrincadas baterías, que por momentos hacían sonar al dúo como un adictivo cruce entre los Cramps, el drum’n’bass y el free jazz. Como la gran mayoría de los grupos del sello, Grimorio era un género musical en sí mismo, un híbrido hiperimaginativo de mil cosas diferentes que a priori jamás podrían funcionar (¿Canterbury + surf-rock primitivo?). Quizás mi segundo disco favorito de Alehop!.

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Ginferno “Ginferno” (2004). 

Hubo unos años en los que Ginferno fue el mejor grupo del universo sobre un escenario. Si tuviera que hacer una lista de mis conciertos favoritos de todos los tiempos, el power-trío de Ramón, Fletcher y Federico estaría entre los diez primeros sin ninguna duda. Su primer disco, el único en Alehop!, no está a la altura de sus apoteósicos directos, pero recoge los legendarios temas de esa etapa del grupo, que sonaban como una rondalla rock-surf-punk haciendo versiones de Ennio Morricone. Tras sus años de esplendor, incorporaron un vocalista y perdieron gran parte de su magia, convirtiéndose en una cosa totalmente diferente (y peor, en mi opinión...).

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Solex “3/4” (2005). 

Las Solex, uno de los grupos insignia del sello. Eva, Olaf, Balma y Juan. Tres guitarras, voz y trompeta en esta maravilla, su mejor disco. Rock’n’roll tocado como si fuera free jazz. Verles en directo siempre era impactante, con Eva realizando glissandos con su dedo índice por el mástil, Olaf concentradísimo sin quitar la vista de su guitarra adquirida en su querido Rastro, las voces pop dadá y presencia de la carismática Balma y la trompeta desafinada de Juan. El único parecido posible que le encuentro a su maraña contrapuntística de sonidos en ruinas (pero perfectamente compuestos y ensayados) es a los primeros Royal Trux, aunque Solex sonaban muchísimo más alienígenas que estos. Uno de los grandes clásicos del sello y de la música subterránea de mediados de los dos mil.

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LCDD “A todas revoluciones” (2017). 

Los Caballos de Düsseldorf, la orquesta electrónica de doo-rags formada por Olaf, Carmen, Eva y Murky, en formato siete pulgadas de dos agujeros y todas las velocidades posibles, superando el “Pagan Muzak” de Non, ancestro natural de esta chifladura. Ocho discos en uno comprimidos en un objeto realmente precioso, como todo lo que sale de las manos de Olaf.

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Murky López/López-Peláez “Cualquier parecido con la realidad es una mierda” (2019).

El último disco de Alehop! hasta la fecha es el primer disco de canciones de Murky desde los tiempos de Grimorio. En la cara A, siete temas en formato eléctrico con Diana e Iñaki (Desguace Beni/Hermanos Peláez) grabados por Mario Riviere, y en la cara B, ocho delicias a la voz y guitarra española grabadas y producidas por Ibon Errazkin con colaboraciones de él y de Teresa Iturrioz. Los temas de López-Peláez suenan como un cruce catártico entre Wire, Nomeansno, Henry Cow y los propios Grimorio. En contraste, las canciones de Murky en solitario suenan calmadas, ensoñadoras, preciosistas y melancólicas, y son mis favoritas del disco. Las letras son un canto a la libertad y un grito contra la esclavitud del trabajo y el dinero, y maravillas como el “Hábitat del empleado” y “Abrazando la molicie” ya son para mí auténticos himnos personales. Un disco mágico de una de mis personas favoritas de la contracultura madrileña. En los créditos, Murky afirma que “este disco no es una pieza de arte”, pero se equivoca porque sí que lo es. Es un oasis de música e ideas, una muestra de otra manera de hacer las cosas, un ejemplo más de que en los márgenes se esconde el brillo, una insólita obra de arte libre.

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Grosgoroth sobre Fela Borbone.

Ya es famoso el documental de la 2 en el que Fela Borbone aparece en su guarida llena de cacharros, cosas de plástico, muñecos, basura, documentos extraviados o televisores. Su forma de hablar tan graciosa, su sinceridad y su idea de lo que quiere hacer, me llegaron al alma. Esta persona programa con un Amstrad CPC 6128 lo que viene a ser ¨el mierdofón¨, un robot que hace percusiones con cacerolas y lanza sonidos de ordenador. De forma autodidacta, y sin internet, aprendió a elaborar esta maravilla de aparato. Una luz en la niebla, una inspiración profunda para la gente que queremos hacer algo diferente sin caer en la esclavitud de los laptops (¡¡MUERTE A LOS LAPTOPS!!). Tengo un vinilo suyo de su sello ¨La rata que caga¨ (gran nombre) y no puedo estar más de acuerdo con la letra de la canción ¨El mierdofón¨, dice así: ¨Igual que hubo un Buñuel, un Einstein y un Dalí, un Joey Ramone, un Beethoven y un Van Gogh, aquí está Felón con su Mierdofón¨.

HAZ "THIS MUSIC" (2017)

HAZ “THIS MUSIC” *

(*“This Music” – Término con el que Bill Dixon denominaba esta maravillosa música).

Este HAZ "This Music" es un homenaje a una de mis músicas favoritas, una música que admiro enormemente por su visión, su complejidad, su valentía, su afán de experimentación y su belleza inabarcable. Las mujeres y hombres que aquí aparecen son para mí un ejemplo e inspiración y pienso en ellos y su música todos los días. Pienso en su determinación, en los sacrificios y penurias que muchos de ellos pasaron, en su disciplina, seriedad y amor con sus instrumentos, en su pasión y en su capacidad de autogestión, especialmente durante la llamada "Loft era" en los 70 en Nueva York, cuando sellos como Impulse! o Blue Note dieron la espalda al avant-garde jazz y los músicos tuvieron que crear sus propios espacios y sellos discográficos.

No pretendo sentar cátedra sobre el tema, faltan decenas de músicos maravillosos (George Lewis, Arthur Blythe, Pat Dixon, Fred Hopkins, Charles Gayle, Sirone...) y quiero pensar que haré una segunda parte algún día, esto es simplemente una muestra de admiración y respeto por una gente cuya música y espíritu adoro.
En cada cromo hay una pequeña discografía con mis discos favoritos de cada artista. Añado aquí otra que considero el punto de partida ideal para el free jazz de los 70 y 80, el sonido de la honestidad y la libertad.

VVAA: "Wildflowers 1-5: The New York Sessions" (Douglas, 1977). 5 LPs grabados en directo en el mítico Studio Rivbea y recopilados en 1999 en un triple CD. 



 


William Parker: "Centering. Unreleased Early Recordings 1976-1987" (NoBusiness, 2012). Caja de 6 CDs y un precioso libro con decenas de nombres clave de la escena y William Parker como centro catalizador. La mejor recopilación de los últimos 20 años.

http://nobusinessrecords.com/centering.-unreleased-early-recordings-1976-1987.html


"Rising Tones Cross" (1984). Documental de Ebba John, en mi opinión, la película que mejor refleja el espíritu de esta música. 

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ABDUL WADUD.

Tengo especial predilección por los instrumentos de cuerda en el free jazz, y Abdul Wadud es el gran cellista de la historia de esta música. Sus duetos con Arthur Blythe en "Metamorphosis" y con Leroy Jenkins en "Straight Ahead/Free At Last" son piezas sublimes de imaginación prodigiosa y belleza total. Su primer disco con el Black Unity Trio y su disco en solitario están pidiendo a gritos una reedición.

Discografía:
"Al-Fatihah" (1971) (Salaam, Black Unity Trio).
"By Myself" (Bisharra, 1977) (Solo).
"Straight Ahead/Free At Last" (Red Record, 1979) (con Leroy Jenkins).
"Metamorphosis" (India Navigation, 1980) (Arthur Blythe). 
"Black Swan Quartet" (Minor Music, 1986) (Black Swan Quartet).




ALICE COLTRANE.

Alice McLeod, Alice Coltrane o Turiya, una de las músicas más importantes del jazz espiritual. Todos sus discos con John Coltrane son absolutos clásicos ("Live in Japan", "Infinity", "Expression", casi nada...), formando parte del segundo gran cuarteto de este junto a Rashied Ali y Jimmy Garrison. Tras la muerte de John Coltrane en 1967, Alice Coltrane comienza una carrera en solitario repleta de maravillas como "Universal Consciousness", mi favorito "Journey in Satchidananda" o "World Galaxy". En los 70 se convirtió al vedismo, cambió su nombre a Turiyasangitananda y se estableció como directora espiritual en Malibú. En estos "años Ashram" publicó otros cuatro discos increíbles, especialmente "Turiya Sings". 

Discografía: 
"Universal Consciousness" (Impulse!, 1971).
"Journey in Satchidananda" (Impulse!, 1971).
"World Galaxy" (Impulse!, 1971).
"Turiya Sings" (Avatar Book Institute, 1982).




ARTHUR WILLIAMS. 

Arthur Williams no grabó ningún disco como líder pero participó en tres grandes clásicos del "loft jazz": "First Feeding" de Moondoc, "Livin' Right" de Peter Kuhn y el tremendo cambiavidas "Through Acceptance of the Mystery Peace" del gran William Parker. De las sesiones de "Livin' Right", el buenísimo sello NoBusiness ha publicado recientemente "Forgiveness Suite", el único disco a su nombre y la mejor puerta de entrada a su preciosa trompeta. Una adicción a la heroína y el hecho de ser gay en un momento y una escena en la que esto suponía un estigma llevaron a Williams a dejar la música a principios de los 80. 

Discografía: 
"Forgiveness Suite" (NoBusiness, 1978/2016).





BARBARA DONALD. 

Una de las grandes trompetas de free jazz de los años 60 y 70, relegada a un segundo plano cuando su técnica e imaginación deberían haberla puesto al lado de grandes como Don Cherry o Donald Ayler. Sus dúos con Sonny Simmons son de otro planeta, y ninguno más brillante que la obra maestra "Music from the Spheres". 

Discografía :
"Staying on the Watch" (ESP Disk, 1966) (con Sonny Simmons). 
"Music from the Spheres" (ESP Disk, 1968) (con Sonny Simmons).
"Manhattan Egos" (Arhoolie, 1969) (con Sonny Simmons). 
"Olympia Live" (Cadence Jazz, 1982) (con Unity).
"The Past and Tomorrows" (Cadence Jazz, 1983) (con Unity).








BILAL ABDUR RAHMAN.

Clive Hunter, conocido en su juventud en el Bronx como "Bad Dude", fue el mejor amigo de Billy Bang. Juntos, a principios de los 70, planeaban robar un banco para apoyar a los Panteras Negras, ya que Bang era un experto en armas tras su experiencia en la guerra de Vietnam. Fueron a una casa de empeño a comprar armas y Bang compró además un violín por 25 dólares. Hunter, viendo el interés y la fascinación de su amigo por el violín, le dio cita dos horas más tarde de la hora del atraco que había acordado con los demás. De esta manera le ahorró a su mejor amigo 5 años en Attica, donde bajo la influencia del pantera negra H.Rap Brown, se convirtió al islam y cambió su nombre a Bilal Abdur Rahman. A su salida de prisión, Rahman se convirtió en un miembro clave del Survival Ensemble como solista, poeta y compositor. 

Discografía: 
"New York Collage" (Anima, 1978) (Survival Ensemble). 
"Black Man's Blues" (NoBusiness, 1977/2011) (Survival Ensemble).






BILL DIXON.

Trompetista y compositor, Bill Dixon es uno de los músicos más injustamente infravalorados de esta música. Artista total comprometido políticamente (actitud que le llevó al ostracismo), impulsor del mítico "October Revolution in Jazz" y creador de innumerables obras capitales: "Intents and Purposes", "Son of Sisyphus", "Weight/Counterweight" y su inabarcable "Odyssey", caja autoeditada de 6 CDs de trompeta solo y libreto de su obra gráfica que supone el testimonio definitivo de este gigante. En mi opinión, a la altura de Coltrane o Mingus. 

Discografía: 
"Intents and Purposes" (RCA Victor, 1967). (Bill Dixon Orchestra). 
"Son of Sisyphus" (Soul Note, 1990).
"Odyssey" (Autoeditado, 2001) (Solo). 
"Weight/Counterweight" (Editions Brokenresearch, 2009) (con Aaron Siegel y Ben Hall). 



BILLY BANG.

Sargento y "tunnel rat" en la guerra de Vietnam, tras esa brutal experiencia, Billy Bang convirtió la música en su refugio. Con su mejor amigo Bilal Abdur Rahman formó el "Billy Bang's Survial Ensemble", uno de los grupos más increíbles de "la era de los lofts" del jazz de los 70. Al final de su vida exploró los traumas vividos en la guerra en dos discos emocionantes: "Vietnam: The Aftermath" y "Vietnam: Reflections". 

Discografía: 
"New York Collage" (Anima, 1978) (Survival Ensemble). 
"Distinction Without A Difference" (Hat Hut, 1980) (Solo). 
"Live" (1986/2012) (NoBusiness, The Group). 
"Vietnam: The Aftermath" (Justin Time, 2001).



BROTHER AH. 

Tras trabajar como músico de sesión para John Coltrane, Sun Ra, Miles Davis y otros grandes del jazz, en 1974 Bob Northern (nombre de nacimiento) publicó "Sound Awareness" para el mítico sello Strata East, cuya primera cara es una de las piezas de jazz más extrañas y enigmáticas que he escuchado. Surgido de un sueño e interpretado por Pat Dixon, Barbara Burton, Barbara Grant y el propio Ah, la música es pura atmósfera espectral, como una grabación de campo del subconsciente más profundo. Sus dos discos posteriores y la increíble caja "Divine Music" son muestras maravillosas de música curativa.

Discografía: 
"Sound Awareness" (Strata-East, 1972).
"Move Ever Onward" (Divine, 1975).
"Key to Nowhere" (Divine, 1983).
"Divine Music" (Manufactured Recordings, 1978/1981/1985/2017).





CECIL TAYLOR.

En mi opinión, una de las grandes figuras del siglo XX y uno de los músicos más geniales y asombrosos de la historia. No hay una sola nota de piano de Taylor que no me haya fascinado, ya sea con su inseparable Jimmy Lyons, en sus maravillosas orquestas de improvisación o en sus alucinantes discos de piano solo. Un genio. 

Discografía: 
"Unit Structures" (Blue Note, 1966). 
"Conquistador!" (Blue Note, 1966).
"Silent Tongues: Live at Montreux '74" (Freedom, 1975) (Solo).
"3 Phasis" (New World, 1979). 
"Garden" (Hat Hut, 1982) (Solo).
"In Berlin '88" (FMP, 1989).
"Melancholy" (FMP, 1999) (Cecil Taylor Workshop Ensemble). 
"Almeda" (FMP, 2004) (Cecil Taylor, The Ensemble). 

https://destination-out.bandcamp.com/album/melancholy



GRACHAN MONCUR III.

Trombonista y compositor creador de dos de los discos más increíbles de la etapa vanguardista del sello Blue Note en los 60, "Some Other Stuff" y "Evolution". Sus obras posteriores (especialmente las publicadas por el sello BYG) son auténticas joyas, pero nada puede igualar la extraña belleza geométrica de esas dos cumbres musicales. 

Discografía: 
"Evolution" (Blue Note, 1963).
"Some Other Stuff" (Blue Note, 1964).
"New Africa" (BYG, 1969).
"Arco Dei de Madrugada" (BYG, 1970).
"Echoes of Prayer" (JCOA, 1975) (con The Jazz Composer's Orchestra).







JACQUES COURSIL. 

Parisino de familia martiniqueña, Coursil fue a Nueva York a mediados de los 60 y conoció a toda la plana mayor del free jazz. Grabó con Sunny Murray y Frank Wright y en el 69 publicó dos discos maravillosos y personalísimos para el sello BYG. "Way Head" (o "Way Ahead", depende de la edición) es uno de mis discos favoritos; enigmático y angular y con una cara B compuesta por el gran Bill Dixon. Un disco que suena muy diferente del resto de (increíbles) discos grabados para BYG ese mismo año.

Discografía:
"Way Head" (BYG, 1969) (Jaques Coursil Unit). 
"Black Suite" (BYG, 1970). 






JEANNE LEE.

Jeanne Lee fue una de las grandes vocalistas de free jazz, aunque su voz nunca abandonó el blues. Su disco "Conspiracy" es una de las joyas del free de los 70, pero si no dispones de los 200 euros que piden por él en el mercado negro, en "Blasé" de Archie Shepp y "Nuba", con Andrew Cyrille y Jimmy Lyons, o en sus numerosos discos con Gunter Hampel se le puede escuchar peltórica, una muestra de poder, fuerza y resistencia. 

Discografía: 
"Blasé" (BYG, 1969) (Archie Shepp).
"Conspiracy" (Earthforms, 1975).
"Nuba" (Black Saint, 1979) (con Andrew Cyrille y Jimmy Lyons).






JEMEEL MOONDOC. 

Uno de los saxofonistas más interesantes y brillantes de la "era de los lofts". Tras mudarse a Nueva York fundó el Ensemble Muntu con una lista de músicos que quita el hipo: William Parker, Roy Campbell Jr., Arthur Williams y Rashid Bakr. "First Feeding" y "The Evening of Blue Men" son dos discos clave del free jazz de finales de los 70. Moondoc sigue en la actualidad en plena forma, cualquier disco que lleve su nombre vale su peso en oro. 

Discografía: 
"First Feeding" (Muntu Records, 1977) (Muntu Ensemble). 
"The Evening of the Blue Men" (Muntu Records, 1979) (Jemeel Moondoc and Muntu).
"Muntu Recordings" (NoBusiness, 1975/1977/1979/2009).
"The Zookeeper's House" (Relative Pitch, 2014).





KALAPARUSHA (MAURICE McINTYRE).

Uno de los miembros fundadores del colectivo de Chicago Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), responsable de dos de los discos más incandescentes de principios de los 70 (su primer álbum y "Force and Feelings"). Considerado en un momento el saxo tenor más importante desde Coltrane, una adicción que le persiguió toda su vida le hizo caer en desgracia y pasó sus últimos días tocando en el metro y las calles de Nueva York. 

Discografía:
"Humility in the Light of the Creator" (Delmark, 1969).
"Forces and Feelings" (Delmark, 1972).
"For Players Only" (JCOA, 1975) (Leroy Jenkins y The Jazz Composer's Orchestra).
"Peace and Blessings" (Black Saint, 1979) (Kalaparusha Maurice McIntyre Quartet).





LEROY JENKINS. 

El gran violinista del free jazz. Miembro de la AACM y fundador del Creative Construction Company. Junto con Sirone y Jerome Cooper formó el Revolutionary Ensemble, uno de los mejores grupos de improvisación de todos los tiempos. Todo lo que he escuchado de Jenkins me apasiona y cualquier disco en el que colabora vale su peso en oro ("Black Gipsy" y "Pitchin' Can" de Archie Shepp, "World Galaxy" de Alice Coltrane, "Al Kebu-Lan" de Mtume Umoja Ensemble...), pero su disco en solitario para el sello India Navigation y "Swift are the Winds of Life", con Rashied Ali, son mis dos favoritos, derroche de ideas y originalidad. 

Discografía: 
"Swift are the Winds of Life" (Survival, 1975) (con Rashied Ali). 
"Solo Concert" (India Navigation, 1977).
"Lifelong Ambitions" (Black Saint, 1981) (con Muhal Richard Abrams). 






LINDA SHARROCK. 

Una de las voces más salvajes y libres del free jazz en "Black Woman" y "Monkey-Pookie-Boo", junto a su entonces marido el incendiario guitarrista Sonny Sharrock. Su voz es sólo comparable a Yoko Ono, Patty Waters, Vetza (Airway) o Ebra Ziron (Tunnel Canary) y es uno de los sonidos más liberadores de la música grabada. Tras sufrir un ictus en 2009 que la dejó en una silla de ruedas con severos problemas de habla y movilidad, Linda Sharrock a vuelto a cantar recientemente y sigue sacando discos escalofriantes. 

Discografía: 
"Black Woman" (Vortex, 1969) (con Sonny Sharrock).
"Monkey-Pookie-Boo" (BYG, 1970) (con Sonny Sharrock).
"Gods" (Golden Lab, 2016) (con The Abyssity of the Grounds). 





MONETTE SUDLER.

Guitarrista en una de las obras más extrañas y originales del jazz libre de los 70, "Drum Dance to the Motherland", del Khan Jamal Creative Arts Ensemble, grabado en directo en 1972, mezcla sin par de improvisación, dub y modificaciones electrónicas en vivo que lo convierten en uno de los únicos discos de free jazz psicodélico.

Discografía:
"Drum Dance to the Motherland" (Dogtown, 1973) (Khan Jamal Creative Arts Ensemble).
"Time for a Change" (SteepleChase, 1977) (Monette Sudler Quartet). 
"Brighter Days for you" (SteepleChase, 1978) (Monette Sudler Sextet). 

https://eremiterecords.bandcamp.com/album/drum-dance-to-the-motherland




NOAH HOWARD.

Uno de los grandes saxos de "fire music", artífice de obras maestras como "At Judson Hall", "Uhuru Na Umoja", del Frank Wright Quartet, y especialmente "The Black Ark", una de las cimas de esta música y primera aparición discográfica del alucinado Arthur Doyle. 

Discografía: 
"At Judson Hall" (ESP Disk, 1968).
"Space Dimension" (America, 1970).
"Uhuru Na Umoja" (America, 1970) (Frank Wright Quartet).
"Church Number Nine" (Calumet, 1971) (Frank Wright Quartet). 
"The Black Ark" (Freedom, 1972).





PETER KUHN.

La primera grabación del clarinetista Peter Kuhn fue en el clásico "Lowe and Behold" de Frank Lowe Orchestra. Establecido en Nueva York, a finales de los 70 y principios de los 80 grabó con Arthur Williams, William Parker, Toshinori Kondo, Billy Bang, Denis Charles y Rashid Bakr y se convirtió en uno de los habituales del "loft jazz" del Lower East Side. Por desgracia, su adicción a la heroína le llevó a dejar la música de lado, cometer atracos a mano armada y pasar un tiempo en prisión. Actualmente desintoxicado, de vuelta al clarinete y convertido al budismo, su historia es una de las pocas de este tipo con un final feliz. 

Discografía: 
"Livin' Right" (Big City, 1979) (Peter Kuhn Quintet).
“Through Acceptance of the Mystery Peace” (Centering, 1979) (William Parker). 
"Ghost of a Trance" (Hat Hut, 1981).
"The Kill" (Soul Note, 1982) (Peter Kuhn Quartet).
"No Coming, No Going - The Music of Peter Kuhn, 1978-79" (NoBusiness, 1978/1979/2016).

https://eremiterecords.bandcamp.com/track/desert-flower




SUNNY MURRAY.

Uno de los arquitectos del free jazz y una fuerza de la naturaleza. El batería que atomizó el ritmo y convirtió su instrumento en una fuente sonora nunca vista hasta entonces. Todos sus discos de los 60 para ESP y BYG son maravillosos, pero quizás sea en "Spiritual Unity" de Albert Ayler y "Nefertiti, the Beautiful One has come" de Cecil Taylor, donde escribió su nombre con letras de oro en esta música. 

Discografía: 
"Sonny's Time Now" (Jihad Productions, 1965).
"Sunny Murray" (ESP Disk, 1966).
"Sunshine" (BYG, 1969).
"An Even Break (Never Give a Sucker)" (BYG, 1970).
"Hommage to Africa" (BYG, 1970).






WILLIAM HOOKER.

Uno de mis baterías favoritos, totalmente infravalorado en mi opinión. Su primer disco, "...Is Eternal Life", editado en su propio sello en 1977, supuso la primera aparición discográfica del gigante David S. Ware. El estilo de Hooker es pura energía, muchas veces mezclada con su propia voz. Sus discos para el sello NoBusiness son una maravilla, especialmente "Light", caja de 4 CDs que recopila sus primeros discos y grabaciones y es una joya de lo-fi DIY free jazz.

Discografía: 
"...Is Eternal Life" (Reality Unit Concepts, 1977).
"Brighter Lights" (Reality Unit Concepts, 1982).
"Earth's Orbit" (NoBusiness, 2010).
"Crossing Points" (NoBusiness, 2011) (con Thomas Chapin). 
"Light the Early Years 1975-1989" (NoBusiness, 2016).






ZUSAAN KALI FASTEAU.

Multi-instrumentista prodigiosa, de ella se dice que es capaz de dominar cualquier instrumento musical existente. Con su pareja Donald Garrett (que tocó en hitos de John Coltrane como "Kulu Sé Mama" y "Live in Seattle") formó "The Sea Ensemble", uno de los dúos más extraños y originales de esta música, creadores del increíble "We Move Together", uno de los grandes discos del sello ESP. 

Discografía: 
"We Move Together" (ESP Disk, 1974) (The Sea Ensemble).
"Memoirs of a Dream" (Flying Note, 1975/1977/2000) (con Donald Garrett). 
"Worlds Beyond Words" (Flying Note, 1988). 

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Por último, algunas páginas increíbles para profundizar y perderse en este laberinto musical alucinante: 

http://www.freejazzblog.org/
https://the-hum.com/2016/01/17/flowers-in-the-dark-free-jazz-in-the-80s/
https://blogthehum.wordpress.com/2017/06/21/shadow-of-the-saint-the-legacy-of-charles-mingus-the-black-saint-and-the-sinner-lady-in-seven-astounding-albums/
https://blogthehum.wordpress.com/2016/09/26/five-neglected-notes/
http://www.factmag.com/2015/03/11/20-private-press-free-jazz/
http://matsgus.com/discaholic_corner/
http://differentperspectivesinmyroom.blogspot.com.es/
https://eremiterecords.bandcamp.com/
http://nobusinessrecords.com/
https://aumfidelity.bandcamp.com/
http://www.fmp-label.de/fmplabel/index_en.html
http://www.pointofdeparture.org/
http://www.paristransatlantic.com/magazine/main/home.html
https://destination-out.bandcamp.com/
http://www.bb10k.com/PARKER.disc.html
http://daily.redbullmusicacademy.com/2015/10/the-greatest-week-in-the-history-of-avant-garde-jazz
https://www.thewire.co.uk/
http://rootstrata.com/rootblog/?p=1801
http://www.cadencejazzmagazine.com/

Bibliografía recomendada: 

“Black Music” (Leroi Jones-Amiri Baraka, 1967).
“Black Nationalism and the Revolution in Music” (Frank Kofsky, 1970).
“Four Lives in the Bebop Business” (A.B. Spellman, 1985).
“Miles – Ornette – Cecil. Jazz Beyond Jazz” (Howard Mandel, 2008).
“The Penguin Jazz Guide” (Brian Morton & Richard Cook, 2010).
“Conversations” (William Parker, 2011). 
“Free Jazz and Improvisation on Vinyl 1965-1985 – A Guide to 60 Independent Labels” (Johannes Rød, 2014).
“Conversations II – Dialogues and Monologues" (William Parker, 2015).
Theoral Magazine # 12 – Hamid Drake and William Parker (2016).
“Life is a Rip Off” (John Olson, 2016).
“Loft Jazz – Improvising New York in the 1970s” (Michael C. Heller, 2017).
 “Message to our Folks – Art Ensemble of Chicago” (Paul Steinbeck, 2017).
“Discaholics! Record Collector Confessions Volume 1” (Mats Gustafsson, 2017).
"A Power Stronger than Itself: The A.A.C.M. and American Experimental Music" (George Lewis, 2017).
"Conversations III" (William Parker, 2019).

HAZ, 2017.