NOBUSINESS RECORDS (MANCHAS Y RUIDO # 9)

William Parker y Rashid Bakr en Studio Rivbea, NY.

William Parker, Billy Bang, Ted Daniel, Arthur Williams, Peter Kuhn, Denis Charles, Joëlle Leándre, David S. Ware, Joe McPhee, Sirone, Dave Burrell, John Carter, Oluyemi Thomas... ¡casi nada! Estos son algunos de los nombres que pueblan el extraordinario catálogo del sello lituano NoBusiness, una de las más brillantes plataformas de jazz de vanguardia, a la altura de Eremite, AUM, Pi Recordings o TUM.

Más de cien referencias en vinilo y cd repletas de música maravillosa, un paraíso sonoro para las personas que amamos esta música.

Escribí al amabilísimo Danas Mikailionis, responsable del sello, al que llevo comprando maravillas casi una década, y estuvo encantado de contestar algunas cuestiones que me causaban curiosidad.

Todos los discos del sello que han caído en mis manos van de lo “muy interesante” a lo “soberbio”, pero si no conoces NoBusiness y no sabes por dónde empezar, tras la entrevista he escrito una pequeña lista de algunos de mis favoritos. Una pequeña puerta introductoria a una de las músicas que más amo, inspiración eterna.

Página del sello:

http://nobusinessrecords.com/

Bandcamp con el catálogo entero disponible para escucha:

https://nobusinessrecords.bandcamp.com/music

Motoharu Yoshizawa.

1. ¿Cómo te introdujiste en el avant garde jazz?

Mi primera experiencia fue con el Ganelin Trio, que tuvo una gran influencia en la generación posterior de jóvenes músicos. Muchos de ellos, incluyendo a Petras Vyšniauskas, Vytautas Labutis, Oleg Molokojedov y Liudas Mockūnas, eran estudiantes de Vladimir Chekasin, uno de los miembros del Ganelin Trio. Escuchar a estos músicos, junto con un creciente interés en los clásicos del jazz de vanguardia de los años 70 y la falta de conciertos emocionantes en Vilnius, dio lugar a la organización esporádica de conciertos, en la que participaron grupos muy conocidos de Europa y EEUU.

2. Empezaste el sello en 2008, ¿verdad? ¿Cuántas personas lo lleváis? ¿Cuál era tu intención en un principio?

Siempre quisimos dirigir nuestro propio sello y sacar la música que nos gustaba. Los conciertos que organizábamos supusieron una buenísima introducción en la industria musical y nos dieron material brillante que no podíamos dejar en un estante. Pero la verdadera inspiración fue Mats Gustaffson. Mats nos animó a continuar con el sello, y las primeras grabaciones que publicamos incluyen sus improvisaciones en solitario y en grupo con los mejores músicos de jazz lituanos contemporáneos.

Al principio, solo queríamos publicar la música de los conciertos, pero tras completar nuestras primeras referencias, que incluían muchos nombres famosos como Gustafsson, Joe McPhee, David S. Ware, Dominic Duval y Barry Guy, comenzamos a recibir propuestas de músicos de todo el mundo. Esto nos ayudó a publicar más música de la que podríamos haber hecho si hubiéramos sacado solo las sesiones en directo de Vilnius. Además, es mucho más fácil y barato para un sello trabajar con sesiones ya mezcladas y listas para publicar. Así que, de forma natural, aprovechamos esta nueva oportunidad, ya que nuestro objetivo nunca fue únicamente documentar las actividades relacionadas con el jazz que sucedían en Lituania.

El sello lo llevamos solo dos personas, mi socio Valerij Asanov y yo. Liudas Mockūnas ayudó a montar el sello, pero no lo dirige. Además, hay otras personas cercanas a NoBusiness, como el ingeniero de sonido Aruna Zujus y el diseñador Oskaras Anosovas.

Jemeel Moondoc y Arthur Williams, Studio Rivbea.

3. NoBusiness ha publicado algunos discos “perdidos” importantísimos de la Loft Era: William Parker, Billy Bang, Muntu, Arthur Williams, William Hooker, The Group, Peter Kuhn...es un archivo realmente impresionante de música maravillosa, y creo que es de vital importancia para reescribir la historia de la Música Afroamericana. ¿Podrías decirme cómo tuviste acceso a esas hermosas grabaciones? ¿Has conocido personalmente a los músicos americanos cuyos discos has publicado?

La idea estaba en el aire constantemente cuando escuchaba esos viejos discos y discutía futuros planes con mi socio. Pero la chispa que motivó el primer movimiento fue la conversación que mantuve cenando con Jemeel Moondoc en la primavera de 2008, tras el concierto que organizamos en Vilnius a su cuarteto con Roy Campbell Jr. Le encantó mi idea de reeditar las primeras grabaciones de Muntu y añadir una sesión extra nunca publicada. También estaba muy interesado en incluir una historia introductoria sobre la Loft Era de Nueva York. Al mismo tiempo, recibí un email de Ed Hazell, un musicólogo de Boston gran admirador de esa escena, que ofreció su ayuda para editar esto juntos. Así es como la caja de 3 cds y el libro de 115 páginas de Muntu Recordings vio la luz en 2009. Fue un comienzo muy excitante. Después, viajé al Vision Festival en NYC y conocí a Jason Hwang y a William Parker, lo que resultó en la publicación de Commitment Recordings en 2010. Al año siguiente, cuando acudí al Vision Festival por segunda vez, conocí a Billy Bang y a William Hooker, y empecé a desarrollar otras ideas para publicar sesiones inéditas de Freestyle Band, Melodic Art-Tet, The Group, etc. Ese fue también el momento en el que discutimos la idea de sacar una grabación de William Parker nunca publicada. Un año después volví del Vision Festival con una maleta llena de grabaciones inéditas de Centering (sello de William Parker, N. del T.). La idea de publicar música de la Loft Era sigue siendo lo más excitante hasta ahora, y seguiremos sacando sesiones brillantes que nunca vieron la luz. Tenemos la esperanza de que un día podremos publicar una Historia Completa del Jazz de la Era de los Lofts de la Ciudad de Nueva York. Es nuestro sueño y gran deseo.

Charles Brackeen (Melodic Art-Tet).

4. Vuestras tiradas son pequeñas, de unas 200 a 300 copias, sin embargo, una gran parte del catálogo sigue disponible. Imagino que no hay un gran público para este tipo de música, ¿existe también una intención de no convertir el sello en algo más grande?

Sabemos que el público para esta música es limitado. Así que, siendo realistas, decidimos sacar ediciones limitadas de nuestras referencias. Queremos creer que lo estamos haciendo es algo grande para los fans de esta música y para su historia, pero al mismo tiempo, nunca creímos que nuestras actividades pudieran convertirse en algo más grande ni hemos tenido nunca esa intención. Como nuestro propio nombre indica, todo nuestro esfuerzo está enfocado a la música, no al negocio.

5. ¿De qué disco de NB te sientes más orgulloso?

Nos sentimos orgullos de todos y cada uno de los discos que hemos publicado. Debido a que solo sacamos música que realmente nos gusta y a que nuestros recursos son limitados, todas las referencias pasaron una cuidadosa selección. Es una auténtica alegría para nosotros cada vez que un nuevo lanzamiento ve la luz.

Motoharu Yoshizawa y Barre Phillips.

6. Las reediciones de Chap Chap son algunos de mis últimos discos favoritos de NB. ¿Vais a publicar más discos en la serie?

Hace un par de años llegamos a un acuerdo con Takeo Suetomi, el dueño de Chap Chap Records, y Kenny Inaoka, editor de la revista Jazz Tokyo, para sacar una serie de conciertos inéditos de los años 90. Resultó un proyecto muy interesante y excitante. En 2019 habrá dos referencias más, y esperamos poder continuar en el futuro.

Kaoru Abe.

7. ¿Formas parte del Vilnius Jazz Festival?

Colaboramos estrechamente con Antanas Gustys, el organizador del festival. Durante los últimos años, grabamos varios conciertos que organizamos en colaboración con él para el festival. Esperamos que esta colaboración continúe en el futuro.

8. ¿Hay algún disco que te habría gustado publicar, pero no ha sido posible?

En mi cabeza tengo algunas sesiones que quiero publicar y es un proceso continuo llegar a un acuerdo con los músicos. No me rindo y sigo trabajando para conseguirlo. Habrá sorpresas en 2019. Mantengámoslas en secreto de momento.

9. (Al pedirle que escriba unas listas de favoritos).

La verdad es que no tengo listas de favoritos, ya que me es casi imposible elegir cuáles son los mejores. Solo puedo decir que me emocionan muchísimo los discos de Ganelin Trio de la era soviética, los discos de FMP de Alemania del Este, y todas las grabaciones de la Loft Era, incluyendo los inestimables discos de la serie Wildflowers. Tengo una gran colección de vinilos y cds de jazz y obtengo un montón de inspiración de muchos de ellos.

Colección personal.

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The Ganelin Trio.

1. How did you first got involved in avant garde jazz music?

The first experience came with Ganelin Trio. Ganelin Trio had a great influence on the successive generation of younger musicians. Many of them, including Petras Vyšniauskas, Vytautas Labutis, Oleg Molokojedov, also Liudas Mockūnas, were students of Vladimir Chekasin, one of the members of Ganelin Trio. Listening to these musicians, along with growing interest in avant garde jazz classics from the 70s and lack of exciting gigs in Vilnius resulted in the sporadic organization of concerts, involving well known avant garde groups from Europe and the US.

2. You started the label in 2008, right? How many people run the label? Initially what was your intention?

We always wanted to run our own label and put out the music that we like. The concerts we organized became a great introduction into music industry and they gave us brilliant musical material, that could not just been left on a shelf. But the real inspiration was Mats Gustafsson. Mats encouraged us to go ahead with the label and the first recordings that we released involve his solo and group improvisations with the best contemporary Lithuanian jazz musicians.

At the begining we just wanted to release the music we had from our previous and planned future concerts, but after completion of our first releases, which contained famous jazz names, such as Mats Gustafsson, Joe McPhee, David S. Ware, Dominic Duval and Barry Guy, we started receiving proposals from the musicians from around the World. This helped us to release more music than we would have been able to do if we were only releasing live sessions that took place in Vilnius. And it is much easier and cheaper for a label to work with sessions that are already mixed and ready to be released. So, naturally we took the advantage of this new opportunity, since we never saw the goal of our label in just documenting the jazz activities that take place in Lithuania.

The label is run by only two persons – my partner Valerij Anosov and myself. Liudas Mockūnas was the third person who established NoBusiness label, but does not run it. There are other people close to the label – the sound engineer Arunas Zujus and designer Oskaras Anosovas.

The Group.

3. NoBusiness has released some very important “lost records” from the Loft Era: William Parker, Billy Bang, Muntu, Arthur Williams, William Hooker, The Group, Peter Kuhn...that’s a really impressive archive of that wonderful music, and I think there is a great importance in rewriting the history of Afro-American Music. Could you tell me how you had access to those beautiful recordings? Have you met personally the american musicians whose records you have published?

The idea was in the air all the time when listening to the old records and discussing our future plans with my partner. But the spark that triggered the first move was my discussion with Jemeel Moondoc during the dinner that we had in spring 2008 after the concert of his quartet with Roy Campbell Jr. that we organized in Vilnius. He loved my idea of reissuing the early Muntu recordings and adding an extra session that was never released earlier. He also was very interested in including an introductory story about the New York Jazz Lofts Era. At the same time I received an email from Ed Hazell, a musicologist from Boston and a big admirer of Jazz Lofts Era music. He offered his help in putting the first release together. That is how the fist box set of 3 CDs of Muntu Recordings and a 115 pages book came out in 2009. And this was a very exciting start. Then I came to New York City for the Vision festival and met with Jason Hwang and William Parker, which resulted in a Commitment Recordings release in 2010. The year after, while visiting Vision festival for the second time I met Billy Bang and William Hooker, started developing other ideas of long unreleased sessions of Freestyle Band, Melodic Art-Tet, The Group, etc. That was also a time when we discussed an idea of the release of William Parker’s unissued recording. Next year I arrived to Vision festival with full suitcase of Unreleased Centering Recordings. The idea of releasing Jazz Loft music remains the most exciting till now and we continue putting out unreleased brilliants from that era. We hope that one day we will be ready to publish a book of Comprehensive history of New York City Jazz Lofts Era. This is our dream and great wish.

Billy Bang.

4. You release small pressings of your records, like 200-300 copies, but a big part of the catalogue is still available, I guess there is not a big audience for this kind of music, or is there an intention not to turn the label in something big?

We know that the audience for this kind of music is limited. So, being realists, we decided to stick to limited editions of our releases. We want to believe that we are doing something big for the fans of this music and for the history, but at the same time we never believed that our activities can become something big itself and we didn’t have that intention. As the title indicates, all our activities are focused on releasing music, not making something big out of business.

5. What NB record do you feel most proud of?

We are proud of each and every release that we put out. Since we only release the music that we really like and we have limited resources, all of them passed our careful selection. It’s a pure joy for us each time when new release sees the light.

Uno de los discos más alucinantes de todo el catálogo.

6. The Chap Chap reissues are some of my favourite NB records lately. Are you going to publish more records in the series?

A couple of years ago we reached an agreement with Takeo Suetomi, the owner of Chap-Chap records and Kenny Inaoka, editor of Jazz Tokyo magazine, on the release of series of the unreleased concerts back from the 90s. It proved to be a very interesting and exciting project. There will be two more releases in 2019 and we hope to continue working on it in the future.

7. Are you part of the Vilnius Jazz Festival?

We closely cooperate with Antanas Gustys, the organizer of Vilnius Jazz Festival. During the last several years we recorded several concerts that we were a part of organizing together with him for the festival. We hope our cooperation continues in the future.

8. Is there any record that you would have loved to publish and could not do it?

I have some sessions in mind that I want to release and it’s an on-going process to have an agreement with the musicians on a possible release of them. I don’t give up and continued working on that. There will be nice surprizes in 2019. Let’s keep it in secret for a while.

9. I’m a big fan of music lists. I’d love you to write your top 5 (or more if you like to):

5 Free Jazz Records.

5 European Free Improvisation Records.

5 Loft Era Records.

5 Jazz Record Labels.

I really do not have any top lists, since it is almost impossible to choose the best ones. I can only say that a great excitement came from Ganelin Trio releases back in Soviet times, FMP records from West Germany and all Jazz Lofts recordings, including invaluable Wildflowers series. I have a big collection of jazz vinyls and CDs and draw a lot of inspiration from many of them.

Maravilla de Abe y Toyozumi.

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David S. Ware Quartet: “Live in Vilnius” (2009).

Conocí NoBusiness gracias a este disco y a “Earth’s Orbit”, de William Hooker. Quedé muy soprendido con la cuidada presentación de los discos, su precio nada desorbitado, la simpatía de Danas y la increíble música que contenían.

David S. Ware fue, hasta su fallecimiento en 2012, uno de los saxofonistas estelares de la era post-Coltrane/Ayler. Una fuerza de la naturaleza a la altura de los gigantes que reinventaron esta música en los años 60. Sus dos cds como “Planetary Unknown” con William Parker, Cooper-Moore y Muhammad Ali son dos de mis discos de jazz cósmico favoritos de la última década, pero cualquier disco que lleve su nombre está escrito con letras doradas en la historia de la música de vanguardia afroamericana.

Este “Live in Vilnius” recoge un concierto de su mítico cuarteto en 2007. Ware, Matthew Shipp, William Parker y Guillermo E. Brown en estado de gracia. 90 minutos de filamentos cuánticos en continua vibración musical. Uno de mis discos más queridos del sello.

Jemeel Moondoc: “Muntu Recordings” (2009).

“Muntu Recordings” fue el primer gran proyecto de recuperación archivista de NoBusiness. Una preciosa caja de 3 cds y un increíble libro de 114 páginas a cargo del erudito y grandioso escritor Ed Hazell en su primera colaboración de muchas con el sello.

La caja recopila los dos primeros discos de Muntu y un concierto en el loft de Rashied Ali. El Muntu Ensemble fue la banda que montó Jemeel Moondoc al llegar a New York a finales de los 70 con William Parker y el infravalorado, malogrado y mágico trompetista Arthur Williams.

En su primer disco, el incendiario “First Feeding”, mi favorito de toda su carrera, le acompañaron también Mark Hennen al piano y Rashid Bakr a la batería. La música de este cd adquiere proporciones volcánicas comparables a la música de los 60 de Ornette Coleman o de Cecil Taylor.

Para “The Evening of the Blue Men”, prescindieron de piano y tuvieron a la trompeta a Roy Campbell Jr., otro de los genios desconocidos de esta música.

La música es simplemente fascinante, pero el libro representa algo realmente único, ya que supuso el primer documento serio sobre la mítica “Loft Era” del jazz de Nueva York, uno de los períodos más ricos e inspiradores de esta música. Moondoc cuenta cómo creaba su sondo tocando en vivo varios días por semana para una audiencia que no llegaba a la decena. Afortunad@s ell@s que pudieron contemplar uno de los grandes ejemplos de verdad e inspiración musical.

Billy Bang’s Survival Ensemble: “Black Man’s Blues/New York Collage” (2011).

Doble cd que recopila dos conciertos del Billy Bang’s Survival Ensemble grabados en mayo de 1976. Uno de ellos fue publicado en 1978 en LP por el sello Anima Records bajo el nombre “New York Collage”, aunque una copia en buen estado en el mercado negro suele rondar los 100 euros, por lo que la labor de NoBusiness de llevar esta música a la gente interesada es de un valor incalculable.

Billy Bang formó este ensemble con su amigo Bilal Abdur Rahman, recién salido de Attica, donde bajo la influencia del pantera negra H. Rap Brown, se convirtió al islam. El número 24 de mi fanzine gráfico HAZ estuvo íntegramente dedicado a la música clásica afroamericana, allí conté algunos detalles de las complicadas vidas personales de Bang y Rahman.

El Survival Ensemble lo completaban el omnipresente William Parker, Henry Warner, Khuwana Fuller y Rashid Bakr. Estos discos contienen alguna de la música más violenta y política que Bang grabó en toda su brillante carrera. Su violín alcanzó cotas más altas de belleza en sus discos para el sello Black Saint y en sus desgarradores discos dedicados a su traumática experiencia en la guerra de Vietnam, pero en estos dos cds, Bilal Abdur Rahman y William Parker están especialmente explosivos. El contrabajo de Parker pocas veces ha sonado tan obsesivo, y Rahman al saxo tenor y soprano convierte el disco en una obra maestra de free jazz político heredero directo de los orgullosos y revolucionarios discos que Archie Shepp grabó en los 60.
El precioso libreto lleno de fotos y carteles de la época, y las notas de Ed Hazell son la guinda del pastel de otro de los documentos vitales de la “Loft Era”.

William Parker: “Centering – Unreleased Early Recordings 1976-1987” (2012).

William Parker es una de los músicos afroamericanos más importantes y prolíficos de la historia. Energía telúrica de esta música, ha participado en tantos discos míticos que solo enumerarlos llevaría una cuarta parte de esta publicación.

“Centering” es una de las joyas del catálogo de NoBusiness y, junto a la caja de Jemeel Moondoc, el proyecto más ambicioso de recuperación de la música creativa de Nueva York de finales de los 70. Daniel Carter, David S. Ware, Arthur Williams, Denis Charles, Charles Gayle, Lisa Sokolov, Rashid Bakr, Ellen Christi, Roy Campbell Jr., Jemeel Moondoc, Billy Bang, Charles Tyler, son algunos de los nombres que aquí aparecen ... ¡la repera!

Los tres primeros cds de la caja recogen a William Parker en formato dúo y trío a finales de los 70 y en un dúo tremendo con el increíble y particularísimo Charles Gayle registrado en 1987. Algunas de estas grabaciones se realizaron con la intención de ser publicadas en disco en su momento, pero por falta de recursos se quedaron cogiendo polvo más de tres décadas en los archivos personales de Parker, detalle significativo del lugar al que fue relegada esta música mágica en esa época.

Los otros tres discos muestran a William Parker en grandes ensambles, una de sus especialidades. Aquí la música toma dimensiones titánicas y se acerca al espíritu de monumentos como “Ascension” o los discos de la Celestrial Communication Orchestra, de Alan Silva. De haber sido publicadas en su momento, las grabaciones del Big Moon Ensemble (1979) y de la Centering Big Band (1984) serían ahora mismo reconocidas como discos icónicos de los 70 y 80.

“Centering” incluye también un libro de 66 páginas a todo color con los ya usuales textos de Ed Hazell, testimonios de William Parker sobre las grabaciones, el arte de Jeff Schlanger, y un montón de fotografías e imágenes alucinantes de conciertos en lofts, momentos personales y preciosísimas y crudas portadas de discos que nunca llegaron a salir. El espíritu del “hazlo-tú-mism@” antes del punk. Junto a la mítica “Wildflowers” (1977), la mejor compilación de la “loft era”. Absolutamente imprescindible si te interesa mínimamente esta música.

Peter Kuhn: “No Coming, No Going. The Music of Peter Kuhn, 1978-79” (2016)/ Arthur Williams: “Forgiveness Suite” (2016).

Peter Kuhn es uno de los más brillantes clarinetistas de música libre, pero una adicción a la heroína truncó su carrera en los 80 tras tres discos cruciales: “Livin’ Right” (1979), “Ghost of a Trance” (1981) y “The Kill” (1982).

 “Livin’ Right”, de Peter Kuhn Quintet, fue publicado en 1979, y es uno de los grandes discos de música libre de finales de los 70.  Peter Kuhn, Toshinori Kondo, Arthur Williams, William Parker y Dennis Charles forman un quinteto de ensueño capaz de crear fracturas en el espacio-tiempo. Fue grabado en vivo el 19 de diciembre de 1979, y resulta que en esa misma sesión se registró “Forgiveness Suite”, compuesta por el increíble Arthur Williams, obra póstuma de uno de los más grandes e infravalorados músicos de la escena.

A pesar de pertenecer a la misma sesión de grabación, es sorprendente lo diferentes que son los dos discos entre sí. Mientras que “Livin’ Right” tiene un aire casi festivo y trenzados musicales similares a Ornette Coleman, “Forgiveness Suite” es un réquiem fracturado, un himno espiritual en proceso de descomposición en el que no hay ni rastro de las espectaculares melodías serpenteantes del primero.

NoBusiness recupera estas dos importantísimas grabaciones y completa el cd de Peter Kuhn con un dúo de una hora con Denis Charles, baterista portentoso en un millón de discos míticos.

En la contraportada original de “Livin’ Right” aparece este pequeño texto, que describe a la perfección la música de estos gigantes:

“THIS MUSIC IS DESIGNED TO COMMUNICATE THE JOY OF CREATIVE ACTUALIZATION. IT IS A MEANS TO ALTERED STATES OF CONSCIOUSNESS AND A VEHICLE FOR RAISING SPIRITS AND TRAVELLING IN TIME”.

Otros discos favoritísimos del sello:

John Tchicai/Charlie Kohlhase/Garrison Fewell/Cecil McBee/Billy Hart: “Tribal Ghost” (2013).

Ted Daniel’s Energy Module: “Innerconnection” (2014).

Rashied Al Akbar/Muhammad Ali/Earl Cross/Idris Ackamoor: “Ascent of the Nether Creatures” (2014).

John Carter: “Echoes from Rudolph’s” (2015).

William Hooker: “Light 1975-1989” (2016).

Kaoru Abe/Sabu Toyozumi: “Mannyoka” (2018).

Barre Phillips/Motoharu Yoshizawa: “Oh my,those Boys!” (2018).

CAL SCHENKEL (MANCHAS Y RUIDO # 10)

Cal Schenkel (1947, EEUU) es una de las figuras gráficas más importantes e influyentes de los últimos 50 años. Ilustrador “residente” de Frank Zappa, Schenkel fue el primer artista asociado con un proyecto musical, y aportó a la música de este una imaginería absolutamente característica, enloquecida y singular.

Es responsable de algunas de las portadas de discos más célebres e icónicas de la historia, portadas que muchas veces superan con creces la música que envuelven: el reverso tenebroso psicodélico de “We’re Only In It For The Money”, el misterio y belleza feístas de “Uncle Meat” y “Burnt Weeny Sandwich”, la imponente y enigmática fotografía de “Hot Rats”, la línea caótica llena de encanto de “Cruising With Ruben & The Jets” y “Just Another Band From L.A.”, el barroquismo de “Grand Wazoo” y “One Size Fits All”, o el surrealismo visual de “Trout Mask Replica”, la gran obra maestra art-rock cubista de Captain Beefheart & The Magic Band.

Influencia decisiva en gente como Gary Panter, Matt Groening o Savage Pencil, las portadas, carteles y cómics de Cal Schenkel son historia viva de la gran revuelta cultural de finales del siglo XX.

Posteriormente, gente como Hipgnosis, el alucinado Pedro Bell, Lemi Ghariokwu, Homer Flynn, Overton Loyd o Raymond Pettibon, revolucionaron el arte de la portada discográfica y dieron una identidad visual a Pink Floyd, Funkadelic, Fela Kuti, The Residents, Parliament y Black Flag, respectivamente, pero Cal Schenkel es el padre espiritual de todos ellos y, en mi opinión, el más brillante y genial de todos.

Desde adolescente he pasado rachas obsesionado con Zappa. Mucha de su música me gusta, pero lo que me hipnotizaba y atraía una y otra vez a la letra “z” en las tiendas de discos eran sus portadas. Los collages, los dibujos y las fotografías de Schenkel tienen un “aura”, no podría explicarlo de otra manera. “Lumpy Gravy” y “Hot Rats” (superrealismo en Saturno) muestran visiones subjetivas de una mente sobreexcitada. Las fotografías de “Trout Mask Replica” parecen haber sido sacadas de ritos sucedidos en la mismísima Atlántida. Son imágenes desafiantes que supuran distorsión e hipérbole.

Al igual que le sucede a Robert Crumb, la palabra “psicodelia” no puede capturar completamente la amplitud y potencia de Schenkel, que parece disfrutar buscando la belleza dentro de la fealdad y lo grotesco. Su estilo histérico (Carl Barks dadaísta con sobredosis de cafeína), su línea errática y su expresionismo figurativo auguraron un futuro que cristalizaría una década después con el nacimiento del punk. Sus portadas muestran un universo demente y excesivo de colores chillones y líneas en perpetua vibración.

Actualmente, lleva su propia plataforma de arte por correo, www.ralf.com, desde la que vende láminas, cuadros y recreaciones de sus portadas más míticas a precios de risa. Todavía no puede creer que uno de mis héroes contraculturales haya accedido a contestar unas preguntas para mi fanzine.

1. Tus icónicas portadas de los 60 y los 70 son realmente diferentes del arte de esa época. Me gustaría saber cuáles eran tus principales infuencias gráficas en ese momento.

Estaba más influenciado por las bellas artes que por los estilos comerciales prevalecientes del momento, imagino que Dada, el Surrealismo, el Pop-Art, las cosas usuales. Por supuesto, el Pop-Art derivaba de los diseños comerciales, así que hubo un poco de influencia circular ahí.

2. ¿Tenías conexiones con la revolución del cómic underground?

No directamente, y la mayoría de esos cómics no fueron tan visibles durante los primeros años en los que trabajé para Frank, así que no tuve mucha influencia. Pero, sin duda, fui influenciado por sus ancestros, los cómics normales, en particular los Disney Donald Ducks de Carl Barks.

3. Tengo curiosidad por saber si Zappa estaba interesado en el arte. Aunque no hablaba mucho del tema, trabajó con artistas increíbles: tú, Bruce Bickford, Neon Park, Gary Panter, David McMacken... Supongo que algunas de sus portadas nacieron de sus ideas, mientras que otras fueron totalmente tuyas (como “Uncle Meat”), ¿es así? ¿Podrías explicar el proceso de creación de esas portadas? ¿Solías trabajar habitualmente mano a mano con Frank Zappa?

Bueno, normalmente tenía mucha libertad, pero dependía de la naturaleza del disco. “One Size Fits All” y “The Grand Wazoo” estaban bastante limitados por el concepto de las letras y la historia, y hubo mucha interacción con Frank en diversas etapas de la producción. Algunas cosas eran dirigidas y yo ofrecía mis propias ideas que a él le gustaban. En otros discos como “Burnt Weeny Sandwich” (portada) y “Uncle Meat”, por ejemplo, Frank no tuvo nada que ver. Hice esas piezas específicas de arte y se las enseñé a Frank ya acabadas.

4. He leído que has dicho que “Cruising with Ruben & The Jets” es tu portada favorita para Zappa. ¿Sigue siendo así?

Supongo que sí, pero al igual que con l@s niñ@s, realmente no puedes escoger.

5. Tus personajes con nariz de perro son una de las imágenes más reconocibles del universo Zappa y creo que han inspirado a muchos artistas. ¿Cuándo empezaste a dibujar esas figuras? ¿Cómo tomaron forma?

Como ya he mencionado, Carl Barks, sus personajes y otros “funny animals” de los cómics de los 1950s fueron una gran influencia, y muy divertidos de usar.

6. “Burnt Weeny Sandwich” y “Uncle Meat” son dos de las portadas de discos más intrigantes que he visto jamás. Recuerdo estar hipnotizado por el arte de “BWS” cuando era adolescente, ¡daba miedo! Sé que esa imagen iba a aparecer originalmente en un disco de Eric Dolphy. ¿Qué disco concretamente? ¿Llegó Dolphy a ver el arte o fue rechazado por la compañía?

Es solo una conjetura, pero creo que probablemente fue "Iron Man", publicado por Douglas en 1968. Hice el arte en el pequeño patio del apartamento de Frank en Charles St. cuando aun vivíamos en Nueva York, las manos eran restos de los maniquíes de “We’re Only In It For The Money". La portada fue creada originalmente para el abortado proyecto "MOOP" de Alan Douglas (nunca me reuní con Dolphy), y Frank decidió usarlo para "Burnt Weeny Sandwich" después de que yo dejara de trabajar para Bizarre Records en 1969 y necesitara una portada durante mi “hiato” (no estaba al tanto del título "Iron Man" cuando creé la pieza, no sé si por aquel entonces tenía un título o no).

7. Además de tu trabajo para Zappa, puede que "Trout Mask Replica" sea tu portada más famosa. Siempre me he preguntado por qué no hiciste más trabajo para Captain Beefheart.

Comencé a trabajar en una portada para "Bat Chain Puller", pero ese álbum quedó en suspenso. Diría que la mayoría de las veces fue debido a la relación entre Frank y Don. Nunca me acerqué de forma agresiva a nadie para trabajar, prácticamente siempre iba fluyendo con lo que venía.

8. Tu arte ha influenciado a muchísima gente. Su enérgica estética cruda y línea nerviosa e irregular precedió el universo gráfico del punk, y tu espíritu iluminó el trabajo de gente como Gary Panter, Savage Pencil, The Residents, Matt Groening... ¿Sientes que tienes algo en común con el estilo punk/new wave?

Supongo que sí, claro, mucho más que con el anterior período psicodélico. Gary Panter es amigo mío, me encanta su trabajo.

9. Tu “asociación” con Zappa fue la primera simbiosis entre un músico y un artista, la primera vez en la que una banda/músico le daba a su música una estética artística particular. Después de ti, vinieron PedroBell (Funkadelic), Hipgnosis (Pink Floyd), Lemi Ghariokwu (Fela Kuti) y muchos más. ¿Has estado alguna vez interesado o incluso influenciado por el arte de otros discos?

Para ser sincero, no sé mucho de la gente que citas. Seguro que he visto su trabajo, pero no conjuntamente con su larga relación con las bandas/músicos.

10. Es bien conocida la opinión de Zappa sobre las drogas. ¿Compartías su punto de vista o usabas las típicas sustancias de la épica? Si es así, ¿tuviste influencias del LSD? ¿Sentías algún tipo de afinidad con el arte psicodélico de esa época?

Aparte de un poco de experimentación en la escuela, no usé drogas. La marihuana no va conmigo y nunca tomé LSD. Esta fue una de las razones por las que me gustaba trabajar con Frank, y por las que no trabajé mucho más en el negocio de la música. No me gustaba mucho salir por ahí, la escena de las drogas no me gustaba nada.

11. Me sorprende mucho que no exista un libro recopilando todo tu importante trabajo. ¿No has tenido ofertas o es algo en lo que no estás interesado?

Podría ocurrir algún día, hay un montón de complicadas razones por las que no ha sucedido todavía.

12. Ahora tienes una página web llamada Galerie Ralf desde la que vendes impresiones y arte original. ¿Estás involucrado en otros proyectos aparte de esto?

De cuando en cuando realizo algún trabajo comercial, pero la mayor parte del tiempo estoy concentrado en desarrollar mi pintura.

13. Muchas gracias por tu tiempo, Cal, me siento realmente afortunado de poder enviar algunas preguntas a uno de mis artistas favoritos de todos los tiempos.

“De nada! :)”

 

Cal Schenkel (1947, USA) is one of the most important and influential graphic figures of the last 50 years. Frank Zappa’s "resident" illustrator, Schenkel was the first artist associated with a musical project, and gave the music an absolutely characteristic, crazy and singular imagery.

He is responsible for some of the most famous and iconic album covers in history, covers that often far exceed the music they wrap: the dark psychedelic reverse of "We're only in it for the money", the mystery and feistic beauty of "Uncle Meat" and "Burnt Weeny Sandwich", the menacing and enigmatic photograph of "Hot Rats", the chaotic line full of charm of "Cruising with Ruben and the Jets" and "Just another band from LA", the baroque imagery of "Grand Wazoo" and "One Size Fits All", or the visual surrealism of "Trout Mask Replica", the great cubist art-rock masterpiece by Captain Beefheart & The Magic Band.

Decisive influence on people like Gary Panter, Matt Groening or Savage Pencil, the covers, posters and comics of Cal Schenkel are living history of the great cultural revolution of the late twentieth century.

Later, people like Hipgnosis, the hallucinated Pedro Bell, Lemi Ghariokwu, Homer Flynn, Overton Loyd or Raymond Pettibon, revolutionized the art of the record cover and gave a visual identity to Pink Floyd, Funkadelic, Fela Kuti, The Residents, Parliament and Black Flag, respectively, but Cal Schenkel is the spiritual father of all of them and, in my opinion, the brightest and most brilliant of all.

Since I was a teenager, I've had streaks obsessed with Zappa. I like a lot of their music, but what hypnotized me and attracted again and again to the letter "z" in the record stores were their covers. The collages, drawings and photographs of Schenkel have an "aura", I could not explain it in any other way. "Lumpy Gravy" and "Hot Rats" (superrealism on Saturn) show subjective visions of an overexcited mind. The photographs of "Trout Mask Replica" seem to have been taken from rites that took place in Atlantis itself. They are challenging images that ooze distortion and hyperbole.

Just as it happens with Robert Crumb, the word "psychedelia" cannot fully capture the amplitude and potency of Schenkel, who seems to enjoy looking for beauty within ugliness and the grotesque. His hysterical style (like a dadaist Carl Barks with a caffeine overdose), his erratic line and his figurative expressionism predicted a future that would crystallize a decade later with the birth of punk. Their covers show a demented and excessive universe of bright colours and lines in perpetual vibration.

Currently, he carries his own art platform by mail, www.ralf.com, from which he sells pictures, paintings and recreations of his most mythical covers. I still cannot believe that one of my counter-cultural heroes has agreed to answer some questions for my fanzine.

1. Your iconic 60’s and 70’s record covers are really different from other artwork of the era. I’d like to know what were your main graphic influences at that time.

I was more influenced by fine art than the prevailing commercial styles at the time, I guess Dada, Surrealism, Pop Art--the usual stuff. Pop Art of course was derived from commercial designs so a bit of circular influence there.

2. Did you have connections with the underground comics revolution?

Not directly, and mostly the underground comics weren't that visible for the first couple of years that I was working for Frank, so didn't have much influence. But I was certainly influenced by their ancestors, the regular comic books, particularly the Disney Donald Ducks by Carl Barks.

3. I’m curious about Zappa’s interest in art. Although he didn’t talk much about the issue, he worked with incredible artists: you, Bruce Bickford, Neon Park, Gary Panter, David McMacken... I guess some covers were born from his ideas, while others were totally yours (like “Uncle Meat”), was it? Can you explain the process of creating those covers? Did you usually work hand to hand with Frank Zappa?

Well, I usually had a lot of freedom, but it would depend on the nature of the album. OSFA (“One Size Fits All”), GW (“The Grand Wazoo”), were pretty much confined by the concepts in the lyrics or story, and there was a lot of interplay with Frank at various stages of the production. Some things would be directed and I would also offer my own ideas that he would like. On other albums “Burnt Weeny Sandwich” (front cover), “Uncle Meat”, for instance, Frank had no input. I did those as specific pieces of art and showed Frank when they were done.

4. I’ve read that you’ve said that “Cruising With Ruben & the Jets” is your favourite Zappa cover. Is it still your favourite?

I suppose it is, but like children, you can’t really pick & choose.

5. Your dog-nosed characters are one of the most recognizable images from the Zappa universe and I think they’ve inspired lots of artists. When did you begin drawing those figures? How did they take shape?

I mentioned Carl Barks, his characters and the other funny animals from 1950s comics were a major influence, and they were just a lot of fun to use.

6. “Burnt Weeny Sandwich” and “Uncle Meat” are two of the most intriguing record covers I’ve ever seen. I remember being hypnotized by “BWS” artwork as a kid, it was scary! I know that it was first designed for an Eric Dolphy record. Which record was that? Did Dolphy come to see the artwork or was it declined by the company?

It's just a guess, but I think it was probably "Iron Man," first released by Douglas in 1968. I made the art in the little back yard of Frank's Charles St. apartment when we were still living in New York, the hands are left over from the mannequins on "We're Only In It For The Money." The cover was originally created for the aborted Alan Douglas "MOOP" project (I never met with Dolphy), and Frank decided to use it for "Burnt Weeny Sandwich" after I quit working for Bizarre Records in 1969 and he needed a cover during my "hiatus" (I wasn't aware of the title "Iron Man" when I created the piece, I don't know if it had a title then or not).

7. Besides your work for Zappa, “Trout Mask Replica” may be your most famous record cover. I’ve always wondered why you didn’t make more work for Captain Beefheart.

I did start working on a cover for "Bat Chain Puller" but then that album was put on hold. Mostly I would say it is because of the on again, off again relationship between Frank and Don. I never really aggressively approached anyone for work, pretty much just went with the flow of what came along.

8. Your art has influenced a lot of people. Its energetic raw aesthetic and ratty line preceded punk graphic universe and your spirit illuminated the art of people like Gary Panter, Savage Pencil, The Residents, Matt Groening... Do you feel something in common with the punk/new wave style?

I suppose so, sure, much more than the earlier psychedelic period. Gary Panter has become a friend, I love his work.

9. Your “association” with Zappa was the first symbiosis between a musician and an artist, the first time a band/musician gave his music a particular artist aesthetic. After you, there was Pedro Bell (Funkadelic), Hipgnosis (Pink Floyd), Lemi Ghariokwu (Fela Kuti) and many more. Were you interested or even influenced by other records artwork?

To be honest, I don't know much about them. I'm sure I've seen some of their work, but not put it together with their long relationship with the bands/musicians.

10. It’s well known Zappa’s opinion of drugs. Did you share this point of view or did you use the usual drugs of the time? If so, were you influenced by LSD? Did you feel some kind of affinity with the psychedelic art of the time?

Other than a little experimentation in school, I didn't use drugs. Marijuana doesn't agree with me and I never took LSD. This was one of the reasons that I liked working with Frank, and why I didn't do much other work in the music biz--I wasn't much for hanging out, the drug scene really turned me off.

11. It’s surprising for me that there is not a book compiling all your important work. Haven’t you had offerings or is it something you’re not interested in?

It could happen someday, there are a lot of complicated reasons why nothing has been done yet.

12. Now you have a web page going called Galerie Ralf where you sell prints and original art. Are you involved in another projects beside it?

Now and then I do a small commercial job, but mostly I am concentrating more on developing my painting right now.

13. Thanks a lot for your time, Cal, I feel really lucky to be able to send some questions to one of my favourite artists ever.

De nada! :)